falsascostumbres

Miguel de Molina

2010-07-15T00:33:00.005+02:00

Genio y Figura

2010-02-13T00:29:00.003+01:00

A estas alturas nadie duda de la forma de ser de doña Concha. Siempre fue clara, rotunda e inteligentemente irónica, algo que nunca fue entendido. Con ese carácter tan especial, Concha hacía de cada entrevista una obra de arte más y de cada frase un gran titular. En 1953, tras su gira hispanoamericana ofrece la siguiente entrevista. Es absolutamente genial. Espero os guste.

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LA COPLA: Vídeo promoción del Blog Falsas Costumbres

2010-02-09T21:27:00.000+01:00

Personajes de Copla: Gabriela y Rita Ortega Feria.

2009-12-31T11:10:00.009+01:00

LA SEÑÁ GABRIELA ORTEGA FERIA: Los niños de la Gabriela.

En la Andalucía de los cafés cantantes hubo un apellido, una saga de bailaores y cantaores que reinaron sobre los escenarios y tablaos… los Ortega, la dinastía que terminaría con uno de sus más aplaudidos nombres: Manolo Caracol.

Gabriela Ortega Feria nació en Cádiz en 1862, heredó de su familia el arte para el baile, destacando en las alegrías y los tangos. Siendo muy joven, con apenas 14 años debutó en el mítico Café de Silverio, alcanzando un gran éxito. Se dice en Sevilla que era tal la afluencia de público para verla bailar que el propio Silverio tenía que seleccionar a las personas que acedían.

Uno de estos asiduos era el torero Fernando Gómez García “el Gallo”, que se enamoró perdidamente de la bailaora. A partir de entonces se desencadena entre los dos una historia de amor casi de ficción.

La familia de Gabriela no aceptaba a Fernando como pretendiente de Gabriela, incluso le prohibieron acercarse a ella. Un día Fernando se aproximó a Gabriela y le rogó que se casasen sin que su familia se enterase; el Gallo preparó una boda falsa en su casa de la Plaza de la Mata, la ceremonia fue oficiada por su picador que hizo las veces de sacerdote, mientras que su banderillero ejerció de sacristán. Los hermanos de Gabriela cuando se enteraron de lo ocurrido fueron a por ella ya que era una menor y se la llevaron a Cádiz.

Fernando no desistió y viajó a Cádiz, donde alquiló una habitación de una pensión y simuló allí estar gravemente enfermo. El aviso de su gravedad llegó a oídos de Gabriela que fue corriendo a visitarle. El plan había funcionado, Fernando se la llevó a Sevilla y allí quedó embarazada.

Con su hijo José en la residecia de la Alameda.

Así pues nació el primero de sus hijos, Rafael Gómez Ortega, que vino al mundo en Madrid mientras su padre toreaba allí. Ya en Sevilla, en la residencia familiar de la calle Trajano, nacería Fernando, lo que obligó a la pareja a casarse definitivamente en la iglesia de San Martín. Seguidamente vinieron al mundo Gabriela, Trinidad, Dolores y Rita, ésta última falleció causando una pena tan grande a su madre, que llegó a enfermar gravemente. Ante este panorama un médico aconsejó que vivieran en el campo, lejos de la ciudad. Fernando alquiló una Huerta en Gelves, un pueblo de Sevilla, donde la familia recuperó la felicidad. Aquí nació el último de sus hijos, José.

En la Huerta de Gelves. Gabriela en el centro con el pequeño José en brazo. A su lado su marido Fernando con su hijo del mismo nombre. Dos de sus hijas sentadas en el suelo; la mayor es Gabriela. A la izquierda Rafael junto a una dama, que debe ser una de las hermanas de Gabriela.

En Gelves vivió la familia hasta la muerte de Fernando, que dejó a su viuda e hijos en una situación económica difícil. Gabriela y sus hijos vivieron en el barrio de la Macarena hasta que su hijo Rafael tuvo dinero y compró la casa de la Alameda de Hércules, que se haría tan famosa.

Gabriela rodeada por sus hijos. Joselito en el centro y Fernando y Rafael a ambos lados. Las damas son sus hijas Trini y Lola, sentada con su hija en brazos.

Rafael Gómez Ortega, el Gallo o el divino calvo, alcanzó la gloria del toreo en su época, siendo considerado un auténtico maestro. Su fama se vio incrementada con su fugaz matrimonio con Pastora Imperio. Joselito el Gallo es hoy una leyenda de la historia del toreo. En la Sevilla de la época fue tratado con honores de rey hasta en sus funerales.

La Señá Gabriela se convertiría así en una de las personalidades más respetadas y aclamadas de la Sevilla de principios del siglo XX. Era tratada como una auténtica reina madre y su forma de ser despertaba la atención de los intelectuales del momento. Gabriela representaba a la perfección el dolor de la mujer en los toros. Gabriela fue esposa y madre de toreros, ya que sus tres hijos fueron matadores: Rafael, Fernando y José. Sus hijas, además, también se casaron con toreros: Gabriela contrajo matrimonio con su primo hermano Enrique Ortega “el Cuco” (banderillero de Joselito), Trinidad se casó con Manuel Martín Vázquez y Lola con el célebre Ignacio Sánchez Mejías.

Visitando a s hijo Rafael tras sufrir una cogida. Al otro lado está su hija Trini.

Los días de corrida eran de auténtica pesadumbre en la casa de la Alameda. Allí tenían una pequeña capilla presidida por una imagen de la Virgen de la Esperanza Macarena, a la que rezaban todas las mujeres de la familia encabezadas por la Señá Gabriela hasta que llegaban las noticias en telegramas. Del mismo modo, en Semana Santa era costumbre que la Señá Gabriela fuese detrás de la Virgen de la Macarena durante toda la procesión, mientras que Joselito iba de nazareno.

Finalmente, Gabriela falleció en 1919 un año antes de la trágica muerte de Joselito en la Plaza de Talavera de la Reina.

Noticia de la muerte de Gabriela.

El semblante de majestad que desprendía la imagen de la Señá Gabriela fue captado por algunos escritores del momento. El periódico “La Lidia”, especializado en toros, la trataba con el título de reina madre y así el poeta José Antonio Ochaíta le dedicó un espléndido poema, coronándola como la reina de Sevilla y madre de los príncipes gitanos Rafael y José.

"La reina gitana" artículo especial dedicado a la Señá Gabriela.

El personaje y su historia llena de contrastes de profundo sufrimiento y desbordadas alegrías despertaron la atención del poeta Rafael de León, que sintetizó la personalidad de Gabriela en “Los niños de la Gabriela”. La copla fue compuesta para Lola Flores que la interpretó en la película “Embrujo”, por lo que fue muy difundida entre el público de la época. Su letra comienza recreando la estampa clásica de la imagen de la Señá Gabriela sentada en su mecedora, citando el abanico como uno de sus distintivos. También refleja el dolor y desesperación de las tardes cuando toreaban sus tres hijos, así como la intensidad del momento cuando llegaban las noticias…

Su nieta, la genial Gabriela Ortega Gómez recita "Baladillas de la Señá Gabriela" de Ochaíta.

"Embrujo" (1947) Lola Flores interpreta "Los niños de la Gabriela" (Quintero, Lón y Quiroga).

RITA ORTEGA FERIA: Mi Rita bonita.

Tan legendaria como Gabriela, fue su hermana Rita Ortega Feria, apodada en el ambiente de los cafés cantantes como “La Rubia” por el color de su pelo que tanto llamó la atención.

Rita Ortega alcanzó una gran fama como bailaora, especialmente en Málaga donde se veía como una de las señas de identidad del Café de Chinitas. La fama y su temprana muerte la convirtieron en leyenda y así fue plasmada en la copla “Mi Rita Bonita”, compuesta por el Maestro Solano y Olivareros.

Mientras bailaba en el escenario del Chinitas, Rita despertó el amor en el empresario Francisco Monje, conocido popularmente como Paco “el Guarriro”. Era un gitano presumido, con cierta fortuna y con una vida muy holgada, tenía dos carnicerías y varios negocios relacionados con los cafés cantantes de Málaga. La pareja contrajo matrimonio y Rita se retiró del baile. Cuentan que eran muy famosos las salidas y paseos de ambos, siempre ataviados con sus mejores galas. Era muy frecuente encontrarlos en todos los focos sociales del momento, especialmente en la Plaza de Toros, donde tenían reservadas dos localidades.

Gabriela Ortega tuvo una gran competencia en el baile, La Mejorana. Se dice que la enemistad entre ambas era reconocida. Una noche ambas se batieron en un duelo de baile, que ganó La Mejorana y que trajo graves consecuencias para Gabriela, ya que estaba embarazada y sufrió un aborto. Años después, su primogénito se casaría en Madrid con la hija de La Mejorana, Pastora Imperio.

Una noche coincidieron en el escenario La Mejorana y Rita Ortega, ésta decidió vengarse de la Mejorana en honor a su hermana. La lucha entre ambas fue mediante el baile. Cuentan que la primera en bailar fue la Mejorana, que bailó mejor que nunca. Seguidamente Rita comenzó su baile frenético y enérgico, sin parar durante mucho tiempo, despojándose de sus zapatos. La pugna terminó con el triunfo de Rita, que se desmayó al terminar. Quedó tan mal tras el baile que murió pocos días después.

Su viudo, Paco, lloró su fallecimiento toda su vida. Jamás volvió a ir a los toros, aunque mantuvo la reserva de las dos localidades que solía ocupar la pareja. Los días de corrida sus asientos eran cubiertos con un mantón de seda negro bordado.

El malagueño Miguel de Molina popularizó la copla “Mi Rita bonita”, que introduce variaciones en el final respecto a la historia de la bailaora. La composición alcanzó un gran éxito, pero el exilio del artista motivó su desaparición. Posteriormente, sería rescatada por Paquita Rico.

Paquita Rico canta "Mi Rita bonita" (Solano y Oliveros).

Visiones de Estrellita Castro

2009-12-28T12:26:00.005+01:00

Una imagen sorprendente y distinta.

Estética Pin Up.

Estrellita posa sugerente y sexy en 1933.

“Para mí, la felicidad hermana consiste en la risa. ¡Poder reírse a todas horas!, ¿se da usted cuenta de lo que eso supone?. Pues supone tener salud, tener dinero, tener alegría, tenerlo todo… ¡Que me dé Dios a mí una mijita de risa siempre y le aseguro a usted que con eso sólo seré la mujer más feliz de la Tierra!”.

Estrellita Castro

2009-11-18T14:24:00.006+01:00

Erase una vez un caracolillo en la frente...

Al igual que las grandes divas Estrellita Castro se creó a sí misma, sin reinventarse porque ni falta le hacía. Estrella se mantuvo fiel a sí misma, a su imagen y a esa estética tan particular, única y personal que la convirtió en todo un icono, siendo su principal signo de referencia el enroscado caracolillo que permaneció sobre su frente hasta el final de sus días.

A diferencia de la moda o de las tendencias, lo moderno perdura como tal a lo largo de los tiempos. Estrellita es hoy un ejemplo de modernidad en su época y en la actualidad, una modernidad que perdurará siempre en cada gesto suyo, en sus paseos, en sus brazos en jarra, en sus miradas, en el gracejo que irradian cada uno de sus guiños, en su perenne sonrisa, en sus ondas y peines en el cabello y por supuesto en aquel caracolillo , emblema de una mujer transgresora, cuya personalidad la hizo una eterna moderna, una diva.

Al final dos vídeos extraídos de la película “El barbero de Sevilla” muestran a una Estrellita Castro divinísima, divísima y extraordinariamente moderna.

Estrellita Castro - El pregón de la gitana.

Estrellita Castro - Puerto camaronero.

Tras Nueva York: Álbum fotográfico de Conchita Piquer

2009-10-20T20:53:00.009+02:00

En 1927 una jovencita Conchita Piquer debutaba en Madrid. Culminaba entonces una época que comenzó en 1922 cuando con apenas 16 años la artista pisaba por primera vez Nueva York. El antes y el después parecía una imposible; la niña humilde de 16 años que tan sólo alcanzaba a hablar valenciano regresaba cinco años después convertida en toda una estrella, “hablando inglés como un loro”, vestida con trajes y joyas que compró a su paso por Paris.

Atrás dejaba su nombre iluminado en los carteles del Park Teathre , donde tuvo un inesperado y sorprendente debut y del Winter Garden. Allí triunfó con “El florero” un pregón de un muchacho que vendía flores por Sevilla y que ella con todo su encanto entonaba en un entreacto de la ópera “El Gato Montés”, dirigida por el Maestro Penella.

Durante su estancia americana la prensa española se hizo eco de sus éxitos, de tal forma que aquí ya la esperaba un público que la veía como una auténtica estrella. Ya en España su estilo era más cercano al cuplé con piezas compuestas por el Maestro Font de Anta, algunas con letras del poeta Salvador Valverde. Su repertorio se completaba con el famoso “Florero” y otras canciones americanas para las que se transformaba. Su mayor éxito fue “En tierra extraña”, una de las canciones que por entonces le compuso el Maestro Penella.

Como cupletista Conchita lucía unos vistosos trajes con grandes volúmenes, tocados y brillante pedrería, la mayoría de ellos de Pepito Zamora. En este punto se introduce en la vida de Conchita Piquer una figura muy interesante y llamativa, Álvaro Retana, bautizado por Luis Antonio de Villena como “El ángel de la frivolidad”. Era un escritor y periodista hijo de un gobernador. Su homosexualidad descarada y pasión por el mundo del cuplé y los cafés cantantes era todo un escándalo en su época. Escribió para letras de cuplés y tonadillas para las más famosas del momento, como la Goya. También destacó como diseñador de trajes, entre ellos algunos de los que lució Conchita, gran amiga suya. Álvaro Retana admiraba el estilo inédito de Conchita, tal y como lo manifestó varias veces en su famoso libro “Historia del Arte Frívolo”: “El repertorio de Conchita adolescente, elaborado por Manuel Penella de acuerdo con los años veinte, era de entretenida diversidad: un charleston, una canción oriental, una evocación de La Revoltosa, otra de Dulcinea y un pasodoble, en el que figuraban unos compases de Suspiros de España, que fue el número bomba de la novel estrella. Aunque su mímica era muy deficiente, su belleza, juventud y simpatía le consiguieron rápidamente el puesto ambicionado por su lanzador”.

El interés de su perfil biográfico me obliga a dedicarle varias líneas más. Álvaro Retana se presentaba en sociedad como “un buen imitador del sexo de Eva”. Era frecuente verlo ataviado con un kimono muy ceñido, las cejas depiladas y los labios pintados. En época republicana hizo una aparición que sorprendió a todo Madrid, provocando un gran escándalo, cuando lideró una manifestación de proletarias con un espectacular traje de seda.

Cuando Madrid fue tomada en la Guerra Civil fue apresado acusado de “rojo y maricón”. Fue llamado a declarar al ser acusado por utilizar símbolos religiosos de forma irreverente. El fiscal lo acusó de beber semen de jóvenes en un cáliz, a lo que él contestaba: “Señoría, yo eso prefiero tomarlo directamente”. Así cayeron sobre él años de prisión y una condena de muerte, pero sorprendentemente, gracias a sus vínculos familiares, fue liberado por mediación del papa Juan XXIII. Murió en 1970 asesinado por un chapero.

Esta etapa de la vida de Concha Piquer ofrece un gran interés. Era una mujer joven, de gran desparpajo y belleza. Pareja sentimental del Maestro Penella. Como artista, su formación americana le aportaba una calidad que le hacía estar por encima de las cupletistas de la época. Esta fase llegaría a su fin cuando Concha comienza a trabajar con el Maestro Quiroga… Eso ya es otra historia.

Jovencísima.

Junto al Maestro Manuel Penella, su descubdridor.

Ataviada con un vistoso traje de inspiración valenciana.

“QUE SI, QUE SI, QUE LA PARRALA TIENE UN AMANTE: Historia, Mito y Copla”.

2009-09-29T00:21:00.007+02:00

La postguerra en España y en el aire aquel estribillo, pegadizo y juguetón, que sonaba en todas las radios de los hogares, la letrilla que todo el mundo tarareaba, la música que se silbaba por las calles y los cantos que las niñas entonaban en el juego de la rueda.

“Que sí, que sí, que sí, que sí,
que a La Parrala le gusta el vino.
Que no, que no, que no, que no,
ni el aguardiente ni el marrasquino…”.

Aquella feliz copla no era más que una crónica detallada de la España más negra del siglo XIX. Sus estrofas encerraban la trágica historia de La Parrala, la cantaora flamenca más genial en el cante por siguiriyas, aquella que tenía su persona marcada por la desgracia, por el pecado, por la burla, la pasión, la noche y la sangre de sus amantes. La Parrala de la copla fue una fiera de dos cabezas: la de Trini y la de Dolores; su letra unificaba y mezclaba la historia y leyenda de ambas sin llegar a saber cuánto hay de una y cuánto de la otra.

En 1845 nacía en Moguer (Huelva) Dolores Parrales Moreno, conocida en los escenarios de los cafés-cantantes como “La Parrala”, sobrenombre artístico con el que también sería bautizada su hermana Trinidad, menos conocida, siempre en la sombra y eternamente atacada por “su voz demasiado dura”.

La Parrala fue uno de los nombres más imprescindibles en las noches de cafés-cantantes y colmaos andaluces. Se dijo de ella que era la mejor y más general cantaora de todos los tiempos, despertando la admiración de todo el mundo. Seguidora de Silverio, La Parrala actuó por toda España y también en Paris.

Pero si su arte motivaba ciento de comentarios, su vida despertaba con mayor fuerza las lenguas de doble filo. La duda siempre planeó sobe la vida de La Parrala, una mujer siniestra, llena de incógnitas, de afirmaciones sorprendentes y escabrosas y de enigmas que jamás se llegaron a resolver.

Decían de ella que tenía una belleza capaz de hipnotizar a los hombres, con los que jugaba y dominaba al igual que con su arte. La silueta de su semblante en los oscuros escenarios de los cafés-cantantes, de los colmaos despertaban los deseos de sus admiradores, que agotaban sus fuerzas sin obtener respuesta de ella.

Mucho se hablaba de sus amantes y del desenlace trágico que estos tenían, siempre arrebatados por la locura… un juego de sumisión que la llevó a ser considerada la venganza de las mujeres sufridoras hecha carne…

Los rumores forjaron al personaje, que la muerte convirtió en Mito y de ahí a la leyenda. Una historia que desempolva los ambientes nocturnos envueltos de pasiones, alcohol, flamenco y sangre; el cuento que todo el mundo contaba y que jamás nadie quiso dejar constancia de ello.

La Parrala estuvo casada con el guitarrista Paco el de Lucena, pero la leyenda narraba otra historia distinta, quizás relacionada con su hermana Trini. No se sabe. Esta historia le atribuía el amor de un industrial, un hombre que la seguía en todas su actuaciones y que consiguió despertar el amor de la cantaora, más por su poder que por su persona…

Trini, la Parrala.

La moguereña jugaba con él, como un titiritero con sus marionetas. Siempre estuvo rodeada de hombres y al tiempo echó en falta su vida nocturna y artística de la que andaba retirada. Abandonado ya su esposo, sólo un acontecimiento la frenó y la hizo regresar: el fallecimiento de su suegro y la cuantiosa herencia que el matrimonio recibió. Al poco tiempo su lujosa vida gastó toda aquella riqueza, dejando a su esposo abandonado y sumido en la más absoluta pobreza.

La Parrala volvía a los escenarios, cosechando mayor éxito que nunca y de vuelta con sus amores y amoríos que animaban los intríngulis de la Sevilla de entonces. En la capital andaluza se encontraba tras su huída con su nuevo amante, que también recibió los reveses que una mujer como aquella solo podía dar…

Su final estuvo marcado por las habladurías, por la pena de su historia que según muchos quería olvidar y que la persiguió hasta su lecho de muerte.

No hubo que esperar a su muerte para que esta historia se plasmara, aunque de forma ambigua, en los papeles. En 1904 Guillermo Núñez de Prado escribía en su libro “Cantaores andaluces, historias y tragedias”:

“… entró en la existencia por una senda sembrada de flores, flores que se convirtieron en terribles espinas para cuantos trataron de participar de ellas”. “Hermosa de una hermosura dominadora, atrayente y sugestiva, esta mujer ha jugado a la vida como otros juegan al monte o al bacarrat, se ha burlado de todo, de todo se ha reído, jamás tomó nada en serio, ni el matrimonio; nunca sintió una pasión profunda y duradera por nada, ni por el arte”.

Federico García Lorca atraído por lo que escuchó de su arte y lo legendario y azaroso de su vida, no dudó en dedicarle el poema “Café Cantante”:

“Lámparas de cristal
y espejos verdes.
Sobre el tablado oscuro,
la Parrala sostiene
una conversación
con la muerte.
La llama
no viene
y la vuelve a llamar.
Las gentes
aspiran los sollozos.
Y en los espejos verdes,
largas colas de seda
se mueven”.

A finales de 1939 Rafael de León era ya un exitoso letrista de coplas, su carácter amable le llevó a mantener una estrecha amistad con los componentes del otro trío dedicados a la creación de coplas, en este caso se traba de Xandro Valerio.

Valerio nació en Moguer y por ello la figura y la historia enigmática de La Parrala siempre fueron conocidas. La mención de Lorca, el carácter de la legendaria cantaora (acorde con el prototipo de las mujeres de sus coplas) fascinó a Rafael. Entre Xandro Valerio y Rafael de León escribieron la copla “La Parrala”.

La letra comienza con la duda sobre el origen de La Parrala, ¿de Moguer o de La Palma?. Sobre este detalle nunca existieron lagunas, puesto que todo el mundo sabía la procedencia exacta de la cantaora. Ella misma lo aclaraba en una famosa siguiriya:

“Moguereña soy, señores,
y lo llevo mucho a galaporque en todas la naciones
la Parrala es la que gana”.

La duda de la copla saltó a las páginas de libros sobre flamenco. Lo cierto es que esa entrada quizás fuese una fórmula recurrida por sus autores para enfatizar aún más el carácter enigmático que siempre marcó su vida.

También se hace referencia a la pasión que sentía hacia el vino. Se desconoce este dato, lo único cierto es que algunas versiones de la leyenda aseguran que La Parrala terminó sus días sumida en la tristeza, intentando desesperadamente borrar de su mente todo su oscuro pasado y quizás encontrase en el alcohol el mejor remedio para eso.

La letra fue tomada por el Maestro Quiroga, le puso música y en 1940 la ofrecieron a la que en estos años era su musa: doña Concha Piquer. La copla fue estrenada el 2 de enero de aquel mismo año, en la reaparición de Concha Piquer en el Teatro Calderón de Madrid. Allí actuaba dentro del espectáculo “Gran Compañía de Arte Folklórico Andaluz Escenificado”.

La Parrala, el éxito de doña Concha Piquer.

Aquí la valenciana actuaba junto a grandes nombres como la Malena, la Macarrona, la Niña de los Peines, etc. Ella estrenaba varias canciones “La Petenera”, “No te mires en el río”, “Ojos verdes” y “La Parrala”.

En esta época Concha Piquer estaba marcada por la inseguridad continua que la hacía dudar hasta de pisar el escenario. “La Parrala” no cayó en gracia de Concha, quien la quitó de su repertorio durante algunas semanas. Sin embargo, visto el éxito alcanzado por la canción, que se convirtió en la más popular del espectáculo, tuvo que retomar su interpretación.

Tal éxito llegó a obtener que las crónicas del momento afirmaban: “… al salir del teatro, todos tararean dos estrenos de la noche, que se harían rápidamente populares, la Parrala y la Petenera”.

Desde entonces hasta su retirada la copla acompañó a doña Concha Piquer en todas sus actuaciones, convirtiéndose junto a “Ojos verdes” en su estandarte y seña de identidad. El público de entonces recordaba su imagen, su postura correctísima, ataviada con mantilla mientras entonaba la copla al mismo tiempo que movía su abanico, un movimiento que acentuaba aún más aquel misterio tétrico de la Parrala.

La copla, su ritmo y composición eran idóneos para que doña Concha alardeara del dominio técnico de su voz, jugando con las entonaciones y pronunciaciones. Para la posteridad quedará su forma de decir, pausadamente, “por-tu-cul-pa-ha-sido, Trini, la Parra-la”… Muchos han considerado esta creación como la primera de las coplas. Rafael de León en vida hizo mención alguna vez a esta posibilidad. Resultaría complicadísimo, imposible, encontrar la primera copla; lo único cierto es que “La Parrala” en la voz y en la interpretación de doña Concha abrió un nuevo camino y forjó un estilo que estuvo vigente hasta que la copla murió.

Doña Concha Piquer llegó a grabar un total de tres versiones. La primera de ellas en diciembre de 1940. La segunda fue con motivo de la película “Me case con una estrella” donde cantó acompañada por la orquesta del Maestro Guillermo Cases. La volvió a grabar en 1955. También se conserva grabada su actuación, acompañada por la orquesta del Maestro Posadas, en La Habana durante 1951.

Hasta tal punto fue vinculada la copla con su intérprete que cuando falleció doña Concha Piquer se difundió la noticia de que fue amortajada con el traje mítico con el que interpretaba “La Parrala”. Según testimonio de su hija, ese dato es totalmente incierto. De hecho, podemos disfrutar de aquel maravilloso traje en la Casa-Museo de Concha Piquer (Valencia).

Doña Concha ataviada con el mítico traje de "La Parrala".

Doña Concha Piquer interpreta "La Parrala":

PASTORA IMPERIO: álbum fotográfico.

2009-09-04T16:12:00.010+02:00

Boda en Madrid con Rafael Gómez Ortega, El Gallo. Junto a Pastora su madre, La Mejorana.

Sentada a la derecha.

En 1905 retratada por el pintor José Villegas.

1922, retratada por Julio Romero de Torres.

Una costumbre de la prensa de la época: la caricatura.

El Gallo y la Imperio, una pareja muy comentada.

Con Rafael "El Gallo".

No llegaron ni al año de matrimonio, todo un escándalo en la época.

Mostrando el retrato que le hizo Villegas.

Con el poeta D. Rafael de León, letrista de la copla "Pastora Imperio".

OCAÑA, la vida entera es un teatro.

2009-06-23T00:34:00.003+02:00

"Yo soy un teatrero, pero puro".

José Pérez Ocaña.

“Ocaña, pintor y travesti”. Con esta denominación se solía presentar a Ocaña en numerosas publicaciones. El titular, tan genérico como incorrecto, molestaba muchísimo al artista y es que la etiqueta de travesti nublaba una de las pasiones de Ocaña, otra de sus manifestaciones artísticas donde mostró un mayor nivel de modernidad… el teatro.

A Ocaña le fascinaba el Arte Dramático, se quedaba hechizado ante aquellos actores que, una vez encendidos los focos, eran capaces de metamorfosearse en los personajes más variopintos. La transformación, por tanto, será una de las máximas en su trayectoria artística.

El teatro llenó por completo su pintura, su arte y su propia vida. Durante su última etapa, se consideraba actor de “teatrillos”, pequeñas escenas de corte popular que interpretaba en plena calle o en interiores. Ocaña lograba con este tipo de actos uno de sus objetivos fundamentales: la provocación. Transformarse en mujer, adquirir una personalidad distinta e improvisar cualquier interpretación en plena calle se convertía para él en la mejor forma de escandalizar y reivindicar, tanto los derechos de las personas marginales, como el folklore andaluz. De la simbiosis de ambas circunstancias nace la figura y el arte de Ocaña.

Innovador, trabajador incansable, creativo, irónico… no dudó en incrementar la importancia de esos “teatrillos” incorporando nuevos elementos creados por él, alcanzándose así una obra completa del artista. Llegados a ese punto, hay que hablar de la escultura en la obra de Ocaña, una faceta muy poco estudiada y relegada a favor de su pintura.

Ocaña, artista sin recursos económicos, comenzó a trabajar la técnica del papel maché con gran destreza, adquiriendo sus figuras la misma intensidad expresionista que sus pinturas, en las que también plasmaba influencias de Chagall, Matisse o Modigliani. El papel de periódico, la cola y los alambres dieron forma a todos y cada uno de los fetiches del artista, aquellos elementos que configuraban su mundo, los objetos y las imágenes que formaban parte de aquella escenografía que rodeaba la mejor de sus obras: su propia vida. Así nacieron angelitos, querubines, flores, vírgenes, niños, ancianas, estrellas, soles, lunas, gitanas, plañideras… Prototipos con los que el artista afloraba todo aquello cuanto se cocía en su interior.

Solía realizarlas en la soledad de las noches y, según sus propias palabras, se sentía plenamente “identificado con los muñecos de alambre revestidos de papel de periódico”; por ello, defendía sus esculturas como “humanas” y aunque eran muy “humildes”, estaban “llenas de arte”. El hecho de calificar sus figuras como “humanas” nos remite a una de los distintivos de la obra de Ocaña: la vida, su vida. Recordemos que siempre tuvo una motivación: insuflar la vida en sus obras; en su faceta pictórica fue presentado en alguna ocasión como “el pintor de las escenas vivas”.

Lejos de adquirir un carácter meramente expositivo, tenían otra función. Ocaña las creaba para montar sus teatros. Él interactuaba con estas figuras, maquillándose y vistiéndose de forma similar, de tal forma que se convertía en una de ellas. Rodeado de estas impasibles e hieráticas estatuas, interpretaba con absoluto y único desgarro guiones populares improvisados y obras de los maestros Lorca o los hermanos Alvárez Quintero.

Ocaña lograba así insuflar vida propia a sus figuras, que no nacían para exhibirse, sino para adquirir una dimensión dramática más allá de sus características materiales. En este sentido cabe hacer la siguiente reflexión, estos “teatrillos” de Ocaña reúnen todas las características para ser consideradas auténticas performances, que en torno a los años 1977 y 1978, cuando comienza a hacerlas en Barcelona, suponían una gran novedad para la época. En estos años la perfomance nacía y se desarrollaba a nivel europeo y americano sin llegar a nuestro país, de ahí que nadie nunca definiese como tales estas manifestaciones, que reunían al mismo tiempo pintura, escultura, teatro, música, vestuario…

La transgresión que convirtió en mito a Ocaña se multiplica en esta faceta artística. Dramas familiares, homenajes a artistas, cuadros flamencos, muertes, velatorios y entierros, paseos de señoras, procesiones de vírgenes… eran las temáticas más habituales. Con estos “teatros” Ocaña se adelantaba a la llegada de las influencias europeas sin ser consciente de ello, introducía la performance en España. Sin embargo, éstas adquieren una dimensión especial al constituirse como una manifestación y ostentación llena de reivindicación, provocación, reconocimiento y ruptura con las normas establecidas. No debemos olvidar la existencia de la Ley de Peligrosidad y Rehabilitación Social que desde 1970 convertía la homosexualidad y su exhibición pública en delito y motivo de persecución y castigo policial.

Hay que aclarar que existe en este caso un componente tradicional muy presente y acusado; en Ocaña esa interacción con su imaginería es una herencia centenaria de Andalucía, donde las procesiones y ceremoniales religiosos, como la Semana Santa o la “Subida” de la Virgen de la Asunción en su pueblo natal, lleva intrínseca esa simbiosis y ese dialogo entre el público y artista con la obra de arte.

Las esculturas se alzan, por tanto, como una de las expresiones artísticas más completas de Ocaña, fundamentales para captar la verdadera esencia y la gran dimensión que alcanzaba todo el universo que rodeaba a este artista. Las esculturas son sus pinturas en tres dimensiones, su vida, sus sueños, sus recuerdos… en definitiva, el teatro de su vida hecho papel maché. Hasta tal punto adquiere importancia que su propia muerte fue resultado del último de sus “teatrillos”, la procesión triunfal del Rey Sol en el homenaje a la vieja más vieja de Cantillana, aquel fatídico verano de 1983.

Hoy sus esculturas, la huella del Ocaña más íntimo, se presentan ante nuestros ojos como imagen de una Andalucía real en su contenido y de una Barcelona efímera, de papel y alambre, en su materia, que él mismo creó con su presencia y destruyó con su ausencia. Recuerdo de una época que ansiaba libertad con desesperación, que creaba a partir de sus raíces y costumbres, un mundo vivo, optimista, cruel, reflexivo y libre. Testimonio de uno de los paseos más famosos a nivel mundial, de la barcelonesa Rambla de las Flores, que tuvo durante años el título popular de quien le dio vida, imagen y personalidad… “las Ramblas de Ocaña”. Humanista, filósofo, antropólogo, pintor, escultor, tradicional, moderno, transgresor, luchador, adelantado… teatrero, en definitiva. Todo ello y mucho más fue Ocaña y para recordarlo, su imaginería.

Tras toda esta reflexión en torno a la escultura de Ocaña y a todo el universo creativo y transgresor que las rodeaba, se evidencia la necesidad de un artículo, de un estudio que indague en sus características, historia y valores artísticos. En definitiva, el análisis de esta faceta de Ocaña nos abre el telón para contemplar una nueva y rica cara del artista, que desgraciadamente ha sido olvidada durante mucho tiempo.

"Recuerdo en una revista llamada "Reporter" que hicieron fotos a mis cuadros y a la hora de la verdad no ha salido ninguno. Yo muy cabreado…"

José Pérez Ocaña.

[[Este artículo lo escribí en el verano de 2008 para la exposición "Beata Ocaña", celebrada en la Galería "La Rosa del Vietnam" (Barcelona) con motivo del 25 aniversario del fallecimiento de José Pérez Ocaña"]].

** La temática aquí tratada resultará muy significativa a lo largo de lo que resta de 2009 y 2010.

Bye. bye fotolog

2009-06-20T01:43:00.003+02:00

Hace unos tres años, en 2006 atravesaba uno de los veranos más aburridos de mi vida, unas vacaciones en las que la frase "cualquier tiempo pasado fue mejor" se cumplía en todo y cada uno de los aspectos. Una de estas tades cayó en mis manos una revista y en ella un artículo, la cultura blog, fotolog....

Por la noche, frente al ordenador, me propuse ver qué era todo aquello que leí y decidí crear un fotolog, a ver qué pasa.... La peor duda el título, nunca fui bueno en eso de los bautizos. En ese momento el destino o el modo aletorio hizo saltar la canción "Falsas Costumbres" de Alaska y Dinarama. Lo pensé, me agradó y se quedó.

La primera época fue maravillosa. Hablar de Costus a diario era un placer enorme. Poner una obra de ellos y ver la reacción de la gente, como a pesar de cierto olvido que cayó sobre ellos siempre hubo quien no dejó de recordar la pintura de Juan y Enrique. Fueron muchas y muy duras las críticas que recibí por hablar de ellos, pero ganaba más cuando alguien me decía que había descubierto a Costus por el fotolog, que el contenido les había sido útil en un trabajo o el visto bueno de su entorno. Todo ello comenzó en el verano de 2006, un año después comenzaron las exposiciones, los catálogos, los documentales, artículos.... hasta un libro interesantísimo el pasado 2008, que ya hacía falta.

Fotolog me ha dado mucha satisfacciones, muchas alegrías. Me ha hecho estar en sitios increibles y conocer a gente estupenda. Si bien es cierto ya hacía tiempo que me planteaba cerrarlo, pero decidí dejarlo, actualizarlo de vez en cuando y mantenerlo porque permaneciesen vivos todos esos grandes momentos y amigos que fotolog me ha dado.

No sé bien si ha sido casualidad, si por la denuncia de alguien, no lo sé ni me interesa. Lo cierto es que esta semana me dispuse a subir una fotografía y falsascostumbres ya era historia. De finalizar el fotolog me hubiese gustado haberlo hecho de otra manera, una despedida. Por ello, aprovecho esto para despedir el fotolog y a todos aquellos que siguieron mis actualizaciones, que dejaron comentarios o me escribieron e-mails. También a quienes me criticaron, algunos por e-mail otros por comentarios en determinados círculos, que siempre me llegaron y que causaron en mí una enorme sonrisa.

falsascostumbres sigue en flickr, myspace, blogspot y facebook.

DESDE EL ALMA HASTA LA BOCA: El verso vivo de Rafael de León.

2009-04-28T16:08:00.009+02:00

A principios de los ochenta a casi nadie resultaba extraño que los partidos políticos, que constituían el pleno del Ayuntamiento de Sevilla, rechazasen la propuesta del alcalde Luis Uruñela de nombrar a D. Rafael de León hijo predilecto y rotular una vía con su nombre. La iniciativa finalmente quedó con una glorieta en el Parque de María Luisa.

Se forjaba por esta época una nueva era social y cultural con un claro ánimo de ruptura con todo lo anterior en la mayoría de los sectores. La Copla ya estaba “superada”, era así vista como el reflejo de una España retrasada y llena de tópicos, en la que se exaltaban los sentimientos más elementales y primarios de una forma vulgar. No se daban cuenta que esta etiqueta era la mejor crítica y definición de la Copla que, como género popular por excelencia, ahondaba sus raíces en el sentir del pueblo… amor, lamento, pasión, desengaño, entrega, celos, venganza, sumisión que se vivían en las plazas, zaguanes, colmaos, tabernas, cafés, puertos y mancebías de cualquier rincón del país…

Hoy la realidad es bien distinta. La Copla está reconocida como un género grande, como parte de la memoria colectiva popular y se valora su riqueza musical y lírica. En los últimos años se han reeditado muchos discos, versionado numerosas coplas, se han celebrado homenajes a los creadores del género y varios libros se han editado investigando y profundizando en sus matices, características e historia. La Copla hoy suena en cualquier emisora de radio, como B.S.O de esperados estrenos cinematográficos, como concurso televisivo o como exposiciones y artículos cada vez más presentes en la prensa. A pesar de ello, causa cierta rareza que apenas se den datos sobre el que fue el verdadero creador literario de la Copla.

En 1980 TVE invitaba en uno de sus programas al Maestro Juan Solano y a Rafael de León; durante toda la entrevista el poeta intenta mantenerse en un segundo plano, dejando todo el peso de la conversación a Solano. Y es que Rafael de León fue siempre así, tímido y reservado, poco amigo de los homenajes, reconocimientos y entrevistas. A Rafael de León le gustaba estar, pero estar siempre detrás, observando y supervisando todo, pero sin ser nunca protagonista de nada, de ahí que se cuenten con pocos detalles que permitan trazar su perfil humano.

En 1907 se unieron en matrimonio Don José de León y Manjón y Doña María Justa Arias de Saavedra y Pérez de Vargas, Condes de Gomara. Tan sólo un año después, el seis de febrero de 1908 nacería en Sevilla el primero de los diez descendientes que tuvo la pareja, seis varones y cuatro mujeres.

En la iglesia de la Magdalena el cura, José González Álvarez, bautizó al primogénito con una lista de diecisiete nombres encabezada por Rafael María, José… y rematada por las advocaciones de la Santísima Trinidad, la Inmaculada Concepción y los Sagrados Corazones de Jesús y María, respetando así una costumbre de las familias nobiliarias.

Rafael de León y Arias de Saavedra vino al mundo en la residencia familiar situada en la calle San Pedro Mártir, 14; desde instante estuvo marcado por el aire del verso, puesto que curiosamente en esta calle nació treintaicuatro años antes el poeta Manuel Machado, cuya influencia también estará presente en su obra.

Su inclinación hacia la poesía debió llegarle muy temprano. Algunas personas que le trataron en vida aseguran que con tan sólo dieciocho años conoció a Federico García Lorca. Lo cierto es que en 1926 se traslada a Granada para estudiar en el colegio de Sacromonte, una circunstancia que quizás favoreciese este vínculo. Sobre esto se tienen pocos datos claros a pesar de las diversas anécdotas que contaba Miguel de Molina. A este respecto escribía Sebastián Gasch en su libro “Federico García Lorca: Carta a sus amigos”: “Entre dos actos fui a saludarle [a Federico García Lorca] en el camerino de Margarita Xirgu, Federico daba nerviosas y precipitadas instrucciones a su íntimo amigo Rafael de León, quien al día siguiente debía ponerse en camino para ir a Granada. Volví a cruzar con Lorca cuatro palabras triviales. Aquella tarde no podía suponer que nunca más volvería a verle…”.

La unión de Rafael y Lorca fue amistosa y literaria, la obra del granadino siempre marcó en buena medida las creaciones de Rafael de León. Esta relación fue definida como influencias para unos y como plagio para los detractores de las letras de la Copla. Muchos acusaban a Rafael de León de imitar a Lorca, apodándole “Lorca con sifón”, a lo que el sevillano respondía irónicamente: “Yo es que no hago verso, sino berza”.

Aunque parecía que lo tenía todo, los inicios de Rafael de León no fueron fáciles. El ambiente familiar y su entorno tan estricto fue un obstáculo desde sus inicios, a nivel personal y profesional. A pesar de su amor por la literatura y la poesía, León estudio Derecho siguiendo los deseos familiares. Su personalidad sin límites no fue bien entendida por su entorno sevillano, por ejemplo, mientras que sus hermanos si poseyeron el título de maestrantes, a Rafael de León nunca le concedieron tal honor.

Su declarada homosexualidad fue entonces un motivo de mofas y el dedo que siempre lo señaló, la comidilla de la Sevilla del momento, “el marquesito homosexual” era el título que borraba su nombre entonces. Pero la personalidad de Rafael de León siempre estuvo por encima de todo esto, tal y como lo demuestra el divertido encuentro con la que sería su musa, Doña Concha Piquer.

El 29 de enero de 1931 el hoy Teatro Lope de Vega de Sevilla, antes Teatro de la Exposición, anunciaba el espectáculo de la compañía de Mariano Ozores y Pilar Puchol, en el cartel se avisaba la actuación musical de la denominada “reina de la canción”, Concha Piquer. Rafael de León presenció la actuación y tras ella se acercó al camerino para saludar a la cantante:

- ¿Es usted Conchita Piquer?
- ¿Y usted es maricón?
- ¿En que lo ha notado?
- En la gorra.

La homosexualidad y su amor hacia la poesía y los ambientes artísticos de los Cafés-Cantantes eran conductas poco habituales y no muy bien consideradas en su entorno. Tampoco su forma de hacer poesía estaba muy en la línea de los poetas sevillanos del momento, quizás este factor fuese decisivo en la inclinación de Rafael de León hacia el mundo del espectáculo.

Todo ello, el ambiente familiar y sevillano en contra y su interés por el mundo de la canción, motiva su viaje a Madrid en 1932 para trabajar en la Academia de Arte que Manuel López-Quiroga Miquel, el Maestro Quiroga, tenía en la calle Concepción Jerónima número 10. Sería este el punto de arranque de un nuevo estilo musical, de un nuevo género, la unión de dos genios que marcarían la cultura de España hasta bien entrado los años 60.

Contaba el propio Rafael de León que durante los primeros tiempos vivía gracias al amparo del Maestro y del dinero que su padre le enviaba mensualmente. La primera canción que escribió fue “Rocío”, a Quiroga le gustó mucho la letra y no dudó en ponerle la música, convirtiéndose en el éxito del año. A ella le siguieron “María de la O”, “Maria Magdalena” y “¡Ay!, Maricruz”, cuyas letras aún están presentes en la memoria de todos. Este éxito motivó el recordado telegrama que el Maestro envió a D. José de León, donde le decía “Señor Conde, ya puede usted dejar de enviarle dinero a su hijo. Con esto ya se puede ganar la vida”. Con Quiroga estableció una importante unión, una relación familiar, hasta el punto que el primogénito del compositor es ahijado de Rafael de León.

Estos primeros títulos fueron claves para la consolidación de la fama de Rafael de León, “Rocío” fue la canción más sonada el año de su grabación, “María de la O” fue la auténtica banda sonora de la España de la Guerra y postguerra, siendo hoy una de las canciones más difundidas en la memoria colectiva del país.

Junto a “María de la O, “María Magdalena” fue estrenada en versión teatral pocos años después con un reparto constituido por grandes nombres de la escena española.

Al mismo tiempo que se producen estos éxitos, tienen lugar dos circunstancias muy importantes en su trayectoria. La primera de ellas, la apertura de una nueva academia de arte en Barcelona que motivaría sus continuos viajes a la ciudad condal y la segunda, su colaboración con el poeta Salvador Valverde.

En Barcelona, Rafael de León vive la Guerra Civil. Dicen quienes le conocieron que la contienda y sus consecuencias lo sumieron en una profunda tristeza. El asesinato de Federico García Lorca le causó un enorme impacto, del que tardó en recuperarse. Por otro lado, estaba el exilio de su colaborador Salvador Valverde. El poeta establecido en Sevilla se vio obligado a regresar a su ciudad natal, Buenos Aires. Durante la dictadura fue prohibida su obra y la pronunciación de su nombre como autor de las canciones que había creado con Rafael de León y el Maestro Quiroga. Por suerte, antes de todo esto los tres artistas ya habían compuesto su creación más aplaudida: “Ojos Verdes”.

Rafael de León con Salvador Valverde y el Maestro Quirga al piano.

Volviendo años atrás, tampoco le fue fácil la II República. La instauración del nuevo régimen político le supuso un cambio en el modo de vida de su familia, cuya posición política siempre estuvo en la línea de Primo de Rivera. Sin embargo, la vida de Rafael estuvo rodeada del ambiente liberal de la época. Por ejemplo, sabemos que estuvo afiliado junto a Valverde a la CNT.

Las posturas extremistas de los tiempos de guerra lo llevaron a la cárcel relacionado con unas detenciones de personalidades del mundo del espectáculo acusados de derechistas. Pasó una larga temporada en prisión, incluso algún testimonio indica que cayeron sobre él hasta dos penas de muerte. Su libertad llegó en 1939, cuando el bando nacional toma la ciudad. A pesar de ello, una de sus obras “María Magdalena” fue estrenada en el frente republicano.

Artículo publicado en 1933, donde el propio Rafael de León denuncia el plagio de su éxito "Manolo Reyes".

La posterior dictadura tampoco le resultó fácil a Rafael de León. La Copla fue vista como un género que exaltaba las costumbres españolas, por lo que era del agrado del régimen. A Franco y a su esposa les gustaba mucho la Copla, Juanita Reina siempre fue la favorita en El Pardo. Aún así, la censura fue implacable con las letras de las coplas, cambiando en varios títulos algunas partes; León se autodefinía como un feminista declarado y confesaba tener problemas con la censura en este sentido. “Callejuela sin salida”, “Tatuaje”, “Yo soy esa” fueron algunos de estos casos, pero sin duda el más famoso fue el de “Ojos Verdes”, cuyo primer verso, “apoyá en el quicio de la mancebía”, debía ser sustituido por “apoyá en el quicio de la puerta mía”; cosa a la que se negaba rotundamente su intérprete más famosa Doña Concha Piquer.

Los años cuarenta trajeron un éxito clamoroso para Rafael de León. En esta década la consagrada Concha Piquer estrenaba “Tatuaje”, “Doña Sol”, “Romance de la Otra” o “La Parrala”, que en un principio no era del agrado de la valenciana, hasta el punto que la llegó a quitar del repertorio, incluyéndola ante la insistencia popular. Muy ilustrativas fueron las palabras de una periodista que relataba una actuación de Concha Piquer en el Teatro Calderón de Madrid en 1940: “El Teatro Calderón se viene abajo… Al salir del teatro todos tararean dos de los estrenos de la noche, que se harían rápidamente populares, “La Parrala” y “La Petenera”.

También estrenaba en esta ocasión “Ojos Verdes”, el título más aplaudido. La copla había sido estrenada por Estrellita Castro en Sevilla, después la cantaron Miguel de Molina y Consuelo Heredia, pero no lograba despertar los aplausos del público. El Maestro Quiroga no dudó al final de su vida en decir que era su mejor canción y por ello insistió en ella, dándosela a Concha Piquer, quien no la tomó con demasiado entusiasmo. La letra en un principio no le gustó y menos el estribillo. “Maestro, ¿no le parece a usted mucho verde, mucho verde?”… el resto de la historia ya es conocida…

Un año después publicaba su primer libro “Penas y alegrías del amor”, una recopilación de grandes poemas. Sería su último recopilatorio de poemas puesto que a partir de entonces se dedicó de lleno a la producción de letras de coplas.

Otra gran novedad que ya marcaría su vida profesional fue la colaboración con Antonio Quintero como letrista. La unión se produjo en 1942 por mediación de Antonio Márquez, que ya retirado del toreo se convirtió en el representante de su compañera sentimental, Concha Piquer. El torero estaba convencido de que la forma de hacer teatro de Quintero conjugaría a la perfección con la obra de León y Quiroga y así luchó porque el trío firmasen un espectáculo para la Piquer. El éxito de este trío fue tan inmediato que ya en 1949 no aceptaban más encargos y hasta 1959 el triunvirato Quintero, León y Quiroga se encargó de escribir y componer todos los éxitos y todas las canciones que cantaron generaciones de españoles. Quiroga se encargaría de la música, León de las letras de las canciones y Quintero de la conformación general y del argumento de todo el espectáculo.

A lo largo de estos años y con sus dos compañeros firmaría grandes espectáculos para los mejores artistas del momento, algunos de ellos fueron: “Solera de España” para Juanita Reina, “Retablo español” para Conchita Piquer, “Zambra” para Manolo Caracol y Lola Flores o “La Copla Nueva” para Luisa Ortega.

En el centro de la imagen Rafael de León cede su brazo a Doña Concha Piquer, ambos flanqueados por el Maestro Quiroga y Antonio Quintero.

Llegados a este punto sería justo hacer una mención a Juanita Reina, la intérprete sevillana fue la voz que llevó al pueblo la mayoría de las creaciones de León, al que siempre veneró. El nombre de Rafael de León aparece como autor de las letras en casi una veintena de todos sus espectáculos, Juanita hizo famosas coplas como “Y si embargo te quiero”, “Francisco Alegre” o “Capote de grana y oro” por citar algunas… Ella, mejor que nadie, consolidó un nuevo medio para difundir la obra de León… el cine.

1952 fue un año complicado para Rafael de León por el fallecimiento de su madre, la pérdida le causó una gran tristeza por la unión que tenía con ella. Quizás para evitar la melancolía y nostalgia el poeta quiso distanciarse físicamente más de Sevilla, regresando en contadísimas ocasiones.

En 1958 Concha Piquer llega a Isla Cristina con su espectáculo “Puente de Coplas”, tras su actuación decide retirarse por su descontento con la interpretación aquella noche de “Mañana sale”. Este hecho marcó un antes y un después en el trío, cuyos integrantes comenzarán a trabajar con otros colaboradores paralelamente. Aún así la unión con Quiroga y Quintero seguiría vigente durante muchos años más.

En este momento aparece en su vida la figura del Maestro Juan Solano. La retirada y muerte de los colaboradores del músico, Ochaita y Valerio, motivaron la unión a León. Juan Solano comenzó musicando algunos poemas y sonetos contenidos en el libro “Penas y alegría del amor”. Los resultados fueron distintos a la copla anterior, atrás quedaban esas historias con principio y fin para dejar paso a las directas declaraciones de sentimientos. Se inauguraba entonces una nueva época creativa con nuevas voces femeninas, entre ellas Gracia Montes o Rocío Jurado.

El propio Rafael de León reconoció que “Un clavel” en la voz de Rocío Jurado cerraba un ciclo, culminaba la Copla. Junto a Solano compuso otros grandes éxitos como “Tengo Miedo” o “A tu vera”. A estas alturas las composiciones de León ya eran vistas con cierta reserva por parte de determinados sectores, por ejemplo, sobre “A tu vera” se dijo cuando se estrenó que solamente “sería cantada durante 48 horas”.

Gran celebridad también tuvieron los poemas de Rafael de León que fueron musicados por Solano: "Trece de Mayo" (poema "Así te quiero") para Concha Piquer, “Compañero” cantada por Marifé de Triana, “Con ruedas de Molino” por Rocío Jurado o el poema “Duda”, que bajo el título “Mi amigo” fue grabado por Rocío Dúrcal y Rocío Jurado.

La adaptación de las letras de Rafael de León a nuevas tendencias musicales fue toda una realidad con la canción “Te quiero, te quiero”, cuya música corrió a cargo de Augusto Algueró. La canción fue compuesta pensando en que sería interpretada por Lola Flores, pero finalmente fue cantada y popularizada por Nino Bravo, convirtiéndose en uno de sus éxitos y en la canción más sonada de 1971.

Es en esta época cuando de nuevo sus letras vuelven a convertirse en una especie de himno anclado en la memoria popular con la composición de sevillanas a las que puso musica el maestro Pareja Obregón, éstas fueron "Sevillanas de Triana", "¡Qué guapa está Sevilla!", "Que también es de Sevilla" y "La historia de una amapola"

A estas alturas la vida de Rafael de León había cambiado mucho, era más sencilla. El poeta cambió de domicilio, hospedándose en un pequeño hotel de la calle Sainz de Baranda de Madrid, donde seguía escribiendo letras.

Finalmente, un jueves 9 de diciembre de 1982 fallece Rafael de León por un ataque al corazón. Fue el final de una carrera que culminaba con unos ocho mil títulos, con la obra más difundida de un poeta en España. La obra de Rafael de León fue una banda sonora, la expresión sentimental del pueblo cantada por las mejores voces de su época, una obra que nacía desde el alma para tomar forma en las gargantas de grandes intérpretes, que llevaron al pueblo unas letras llenas de saber popular, sentimientos y valentía. El legado de León nació en el alma y terminó heredándose boca a boca durante generaciones.

En 1988 Juan Solano recopiló una serie de letras escritas antes de su muerte y les puso música, estas canciones fueron presentadas en un sentido homenaje que se celebró en los jardines del Real Alcázar de Sevilla, la intérprete no pudo ser otra que su adorada Rocío Jurado, aquí se presentaron títulos tan conocidos como “Pastora Imperio”.

Sevilla, su ciudad natal, fue decisiva en la conformación de su producción. Numerosas coplas y personajes están tomadas de la realidad cotidiana de la ciudad, de sus plazas, barrios, cafés cantantes y patios floreados. Durante su estancia en Madrid, Rafael solía bajar cuantas veces le eran posibles hasta el fallecimiento de su madre, que redujo sus visitas a la Semana Santa, cuando se escondía en Sierpes para ver el discurrir de las cofradías.

Sevilla, Plaza del Museo. En este enclave enmarcó Rafael de León (1933) el pasional amor que el pintor Juan Miguel sintió por la jovencita Triniá, que "por las tardes como una rosa de los jardines que hay a la entrá" posaba para el artista "como si fuera la Inmaculá".

Esconderse es una palabra clave para comprender la forma de ser de Rafael de León. Nunca escondió su personalidad, vivió como sintió y como verdaderamente fue y así lo expresó en muchos poemas. Sin embargo, fue tímido a la hora de aparecer públicamente. No fue nunca partidario de los grandes reconocimientos y homenajes hacia su persona, por ello jamás aparecía para recibir los aplausos al final de los espectáculos; a él le gustaba más estar encerrado en los teatros durante las largas jornadas de ensayos, supervisándolo todo, hasta el vestuario. La entrega con su obra y sus musas fue tal que siempre estuvo pendiente de ellas, indicándoles cuando tenían que suspirar, las candencias, en definitiva, dirigía la interpretación de éstas hasta el último detalle.

En el trato con los demás destacó su carácter afable, sencillo y amable, también generoso. Rafael de León quiso mucho a su entorno más inmediato y éste a él. Doña Concha Piquer le llamaba “hermano” cada vez que hablaba de él. Juanita Reina y Rocío Jurado expresaron siempre que pudieron su amor hacia el poeta, estando con él hasta el final de sus días.

Ejemplo de su timidez y generosidad fue la donación a sus hermanos de sus títulos nobiliarios. En su condición de primogénito heredó tres títulos: Marqués del Valle de la Reina, Marqués de Moscoso y Conde de Gomara. Tan sólo se quedó con el primero, el segundo se lo cedió a su hermano Federico y el tercero a su hermano Antonio.

Rafael de León fue además un hombre valiente, con gran sentido del humor e ironía, también fue enormemente supersticioso y maniático. La vida de Rafael de León huía de todo tipo de responsabilidades, incluidas las impuestas por las manecillas del reloj, objeto que odiaba, ya que nunca tuvo horarios. Otra de sus manías era la de no conducir, algo a lo que se negó terminantemente, siempre iba en taxi hasta el final, que contrató a un chófer. Como la mayoría de los artistas era un hombre tremendamente supersticioso, nunca permitía que nadie hiciese punto sobre el escenario, llevaba muy mal que se oyesen campanas en la escena o que algún artista se sentase sobre la concha del apuntador.

Placa de azulejos que conmemora el nacimiento de Rafael de León en su casa natal, situada en la calle San Pedro Mártir de Sevilla; junto al Museo de Bellas Artes.

[próxima entrada: La figura de la mujer en la vida y obra de Rafael de León].

Reflexiones....

2009-03-31T17:01:00.005+02:00

En octubre de 1946 la terminante prohibición de entrar a México sorprende enormemente a Doña Concha Piquer, que había sido contratada junto a su compañía para varias actuaciones. El motivo aparente es que un grupo de exiliados la tildaron de “artista del régimen” y la culparon de ser la responsable del exilio de Miguel de Molina. Por mediación del actor Cantinflas, Doña Concha logró actuar, siendo muy aplaudida por los españoles que allí se encontraban, entre ellos Juan Negrín. Fue tan sonora esa negativa a pisar México que el rumor que la señalaba como responsable del exilio de Miguel de Molina tuvo mucha repercusión…

Actualmente, se está celebrando una exposición sobre Miguel de Molina, “Miguel de Molina, arte y provocación”, que analiza su faceta artística y los castigos que recibió por su carácter moderno, por su atuendo andrógino y por su declarada homosexualidad durante el Franquismo, hasta el punto de ser expulsado del país. Parece ser que este argumento no ha gustado mucho a las carcas que escriben en la edición sevillana de ABC unos artículos, cuyo interés y calidad literaria se ve superada por cualquier papel de calentitos.

Como este periodista no tiene argumentos para desmontar la exposición recurre a los ataques directos hacia la persona y el arte de Miguel de Molina, en un claro ataque de soberbia y resentimiento, que es lo que rebosan cada una de las palabras que salen de su pluma. En primer lugar, sentencia con un carácter completamente estricto el escaso talento de Miguel de Molina para el baile, para el cante, para sus películas, en sus galas, su vestuario….

Cierto es que para gustos los colores, pero cabría esperar que un hombre, tan estricto en sus juicios, comprenda que haya gente que no veamos arte en su amigo el torero , que con una edad avanzada más que torear parecía que estaba en un encierro, de lo que corría el hombre delante del toro… hay que ser comprensivo. Lo único cierto es que desde la primera aparición del malagueño hasta hoy han llovido muchas modas, muchas tendencias, muchos estilos musicales y ahí sigue el arte, la personalidad y la estética de Miguel de Molina como referente, icono y objeto de exposiciones, documentales y artículos que analizan su biografía con absoluto rigor histórico… Todavía está por ver como se hablará en un futuro de la labor de este escritor…

Por otro lado, sigue acusando a Miguel como propagador de infamias contra Doña Concha Piquer. Cuando uno escribe en un periódico o en un libro sobre historia hay que documentarse y los rumores no son documentos, que sí son las publicaciones, las entrevistas, las grabaciones, etc. Si acudimos a esta documentación la realidad es más bien otra… El rumor como dije al principio se originó en esa ocasión por una minoría que dio mucho que hablar, pero que fue negado por Miguel de Molina en cuanto pudo, en cuanto se le puso el primer micrófono para la que sería su última entrevista en 1990, donde aclaraba que Concha Piquer no tenía nada que ver con eso. ¡A buenas horas mangas verdes! fue lo único que expresó la valenciana.

Las opiniones de Miguel de Molina sobre Doña Concha fueron siempre buenas. Dijo en una ocasión: “Concha era indudablemente la más guapa, también en el sentido de alegre y valiente. Era una muchacha maravillosa, la mujer más alegre que he encontrado. Aunque tenía su carácter. Había en ella algo extraordinario. Y fue siempre, en sus actuaciones, profesional y magnífica”… Si esto es difamar a alguien…

Pero es que esta admiración fue mutua. Doña Concha siempre recordó con cariño a Miguel de Molina. Ella misma contó cuando aterrada por su reaparición en Madrid las palabras de apoyo y ánimo que recibió del artista fueron muy importantes. Contaba que se acercó al camerino del malagueño para felicitarlo por su actuación y le confeso el miedo que tenía… “¿Pero qué miedo estás diciendo?. Tú tranquila. Antes de salir te miras al espejo y piensa que eres la mejor” le dijo Miguel de Molina. Doña Concha terminaba relatando este hecho aclarando que hizo caso a sus palabras y volvió a triunfar en Madrid.

Pero claro, ésta es la historia escrita en libros, en entrevistas de la época y comentada por la voz propia de sus protagonistas. Los rumores son rumores, muy útiles si sólo queremos destruir, pero claro la base será siempre esa, un rumor, unas habladurías que ocultan una realidad bien distinta contada por sus protagonistas. Siendo claro, aquí sucede otra cosa… hablar de franquismo y homosexualidad aún molesta la pluma de muchos, que se ponen nerviosos nada más tocar el tema y que no tienen otra salida que el ataque hacia las personas, las mentiras y rumores. Le faltó tiempo de entrar al trapo o al pañuelo rojo de lunares en este caso. “Periodista” escribiendo sobre rumores y obviando los verdaderos documentos que dejaron los protagonistas… no hace falta que diga nada más.

Y es que Miguel de Molina sigue siendo eso hoy… arte y provocación…

La musa del Maestro Quiroga

2009-02-02T21:37:00.011+01:00

Doña Concha Piquer se maquilla antes de actuar mientras, al fondo, la observa el Maestro Quiroga.

Resulta muy difícil acercarse al sentimiento que todo artista debe tener hacia sus musas, aquellas “diosas” inspiradoras del arte en unos casos o aquellas que dieron forma con su cualidades a las creaciones… este último es el caso del Maestro Manuel López Quiroga y Doña Concha Piquer. Y es que ¿hasta que punto es deudor el artista de su musa? y ¿al contrario?.

El compositor sevillano conoció a la cantante en el año 1927, cuando ya Conchita era una intérprete muy afamada, que llenaba los teatros españoles tras su regreso a España. Desde esos momentos se hicieron inseparables y la admiración fue plena hasta el último de sus días. Decía el Maestro que Concha “ya estaba lanzada” en esta época y aporta un dato del que poco se ha hablado, al citarla como “la compañera sentimental del Maestro Penella”.

La oportunidad de trabajar juntos llegó diez años después, hacia 1937, cuando Doña Concha actúa en El Dorado de Madrid, donde tenía como director al Maestro Quiroga, fue ésta la ocasión donde se oyó por primera vez su voz interpretando canciones escritas por Quiroga… serían “La madreselva” y “La Trianera”, ésta última, basada en “El embrujo de Sevilla”, le encantaba a la valenciana.Quiroga debió sentirse plenamente realizado desde el primer momento que Doña Concha interpretó sus canciones. La forma de cantar era distinta a la del resto de cantantes españolas, ya que se había formado en Nueva York, en Broadway. Para el Maestro Concha cantaba bien, pero con sus canciones “se perfeccionó”.

Años antes, en 1931, Concha Piquer tuvo un encuentro fugaz en Sevilla con un soldado de servicio… un joven Rafael de León, que pronto se uniría al Maestro… a partir de entonces nacería La Copla.

El Maestro Quiroga siempre tuvo una especial predilección por Doña Concha Piquer, de todas la intérpretes de sus canciones, ella fue la única perfecta, la mejor para el creador musical del estilo. La voz de Concha era limitada para el Maestro, tan sólo una octava, pero era perfecta en la ejecución… las cadencias, los tonos, las notas y los silencios… porque Concha Piquer no sólo era impecable cantando, sino también callando… esos silencios de la Piquer...

Esta estrecha unión entre artista y musa llegó a su culmen con "Ojos Verdes", la canción que no fue compuesta en un primer momento para Doña Concha Piquer tuvo su más perfecta interpretación con la nítida voz de la valenciana. Hay que tener en cuenta que, aunque no fue la que más beneficios económicos le aportó a su compositor, éste siempre reconoció la canción como la mejor de sus creaciones y Doña Concha como su mejor cantante.

También el Maestro Quiroga reconoció que Doña Concha fue la que mejor puesta en escena tenía de todas, cuando ya Marifé de Triana era conocidísima en España Quiroga introduce por primera vez un título que posteriormente se ha ido distorsionando… y es que para el creador de La Copla la “gran actriz de la copla” no fue otra que Doña Concha Piquer.

Ella, que de orgullo y autoestima no iba corta precisamente, no tuvo reparos en defenderse el 15 de enero de 1986, durante el homenaje al Maestro Quiroga y ante la presencia de sus compañeas, como “la primera que le ha cantado al Maestro”. Esa misma noche, cuando el espectáculo terminó fue la primera en acercarse al escenario y abrazar a Quiroga, porque como bien reconoció casi toda su vida artística “ha estado unida al Maestro y a su amigo Rafael”.

Enlaces:

Doña Concha Piquer cantando uno de los primeros éxitos con música de Quiroga, "La Parrala": http://es.youtube.com/watch?v=JdpRxy5OLxs

Artículo ilustrado con fotografías escrito por un servidor - "DOÑA CONCHA: EL GENIO DE LA PIQUER" - en http://falsas-costumbres.blogspot.com/2008/01/doa-concha-el-genio-de-la-piquer.html

LAHE - EN MEMORIA DE LA FARAONA

2008-07-04T13:18:00.006+02:00

Pino Montano es un barrio periférico de Sevilla. A lo largo de los años entre sus largas calles y las prolongadas sobras de sus altos bloques racionalistas ha forjado una cultura urbana juvenil que se ha hecho escuchar con un estilo musical cercano al Hip-hop, que algunos ya han hecho propio de este barrio.

Este ambiente ha dejado impreso en la zona una personalidad que queda enfatizada plasticamente en los graffitis que hoy ocupan sus muros, auténticas obras de arte de distintos artistas.

Entre todos destaca uno, un gran mural dedicado a Lola Flores, tal y como reza en una leyenda en su parte superior "En memoria de la Faraona". Su autora LAHE, uno de los nombres más valorados en esta faceta, quiso hacerle un homenaje a su admirada Lola, cuyo retrato ocupa la parte central de la obra custodiada por dos grandes rosas. Para la confección del mural (soportado en un muro de más de 5 metros de altura) contó con la ayuda de SRG.

El graffiti está presente en la vida cotidiana del barrio desde hace años, siendo respetado, admirado y conocido por todo el mundo. No obstante, el paso del tiempo tiene sus consecuencias por lo que sus autores han pensado en una posible restauración.

MYSPACE DE LAHE: http://www.myspace.com/lahe_splcrew

MYSPACE SRG: http://www.myspace.com/mr_srg

Enrique Costus en ¡HOLA!

2008-06-01T21:13:00.004+02:00

¿Era Enrique un genio?. Posiblemente, ahí está su obra para decirlo. Desde luego, para mí si lo era y es. Aparte de su genialidad artística y su creatividad desbordante, Enrique tiene algo que se me escapa. Su capacidad para adelantarse a todo. Parece como si durante su vida su genialidad le llevase a percibir cosas que están pasando en los últimos años. Leer y profundizar en cualquiera de sus frases lleva a pensar en eso. Por ejemplo, en una entrevista concedida en 1982 ya aclara el dilema existente en torno a La Movida, al término y a las falsificaciones que conlleva... y así mil cosas...

Por no hablar del mundo de los sueños, donde Enrique suele estar presente en el subconsciente de muchos y siempre acompañado con su carácter visionario. Debo reconocer, que yo también he soñado con Enrique, algo que luego marcó algunas "casualidades". Esto lo escribe alguien que no cree en nada, salvo en aquello que tiene ante sus ojos. Blanca Sánchez, contaba que organizando la exposición La Movida para la Comunidad de Madrid, Enrique se le solía aparecer en sueños regañandole y pidiendole explicaciones sobre la presencia de determinados artistas, que como bien decía "nada tienen que ver".

En la época de La Palma ya bromeaba con su obsesión, la revista ¡HOLA!, todo un fetiche que supo hacer extensible a todo su alrededor. Quería salir en el ¡HOLA!, hacer de su vida un ¡HOLA! y así la revista se convirtió en el epicentro de su mundo creativo. De todo esto surgió una serie de cuadros basados en la prensa del corazón "Paso trascendental: del Diez Minutos al Hola", donde la susodicha publicación aparecía representada por un retrato del Sah de Persia y su esposa Farah Diba.

Finalmente, Enrique se nos marchó, pero su obra y su espíritu creativo quedó aquí y parece ser que no dejó de mover los hilos para verse en las páginas de ¡HOLA!. Estando en Jerez durante la exposición antológica de Costus, Olvido comentó que su afán finalmente se vio cumplido. Cuando ella enseñó su casa en la revista, una de las fotografías mostraba el cuadro del Sah y Farah, citando a Costus en el pie. Juan y Enrique ya estaban en ¡Hola!.

Pero Enrique quería más. En 1979 pinta un retrato de Grace Kelly, que finalmente quedó incluido dentro de la citada serie. La pintura era toda una declaración de intenciones, convertida hoy en una visión. La princesa Grace aparece entrando en el Baile de la Rosa, como lo indica la flor que lleva en su mano, junto a ella, un libro, el manual "Le Chochonisme Appliqué"… Así el Chochonismo, la verdadera y única corriente cultural del Madrid de los 80, entraba en el Baile de la Rosa y consecuentemente en la prensa del corazón.

Hace unos meses me suena el teléfono con la siguiente sorpresa: "Costus decorarán el salón principal del Baile de la Rosa". Después de la reacción de sorpresa y de la emoción desbordada; mis primeras palabras fueron: "Enrique lo sabía". Lo había dejado pintado. Al final, sólo se expusieron tres obras (reproducciones) de Enrique pertenecientes a su exposición "Temas de Arquitectura Nacional y Otros Monumentos"; se trataba de "Quinto con Marmota", "Carmen Sevilla" y "Paquita Rico".

Adjunto al texto la fotografía publicada en ¡HOLA!, donde pueden verse las reproducciones de los cuadros.

http://www.costus.es

http://www.enriquecostus.es

DOÑA CONCHA: EL GENIO DE LA PIQUER

2008-01-03T02:06:00.003+01:00

DOÑA CONCHA: EL GENIO DE LA PIQUER.

“Cuando los años setenta daban paso a los ochenta, todo lo relacionado con la Copla estaba mal visto por la incipiente “modernidad” roquera. Pero siempre hay un grupo de “otusiders” que saben venerar a las Diosas que alimentan nuestro espíritu. Agradezco a mi buena estrella haberme cruzado, adolescente y carente de perjuicios, en el camino de esas personas maravillosas que “entendían” que una Diva no sucumbe ante posturas pseudoprogres. Y menos Doña Concha, que arrancaba lágrimas negras a nuestro maquillaje punk”.
ALASKA.

Durante los duros años franquistas el régimen se apropió de la Copla para hacer uso del género a su antojo. Por esta razón tras la dictadura La Copla fue acusada de todo tipo de “delitos”; se le tachaba de denostada, de exagerada, de caer en los tópicos y ensalzar los sentimientos más bajos y primarios del ser humano, como el odio, los celos, la venganza, la pasión, etc.

Sentimientos que por bajos son necesarios en nuestras vidas y que por primarios hemos sentido todos alguna que otra vez. La Copla, género popular por excelencia, se basaba en la vida cotidiana de unas ciudades sumidas que vivía para sus fiestas, sus costumbres y sus sentimientos, pues era lo único que tenían.

“Esos son cosas de folklóricas”. Así se tachaba al género en las décadas posteriores al franquismo. Si bien es cierto, que estos desagravios tenían una cierta base, puesto que desde el régimen se vendió una imagen que no correspondía para nada con la realidad que vivía La Copla, llena de transgresión y libertad sobre y detrás del escenario.

Ejemplo de la transgresión y de libertad fue la vida de Concha Piquer, Doña Concha. Para muchos, muchísimos, su nombre aún suena a una España deprimida, a un género conservador y clásico. Sin embargo, Concha es un ejemplo de mujer del siglo XXI, una adelantada a su época.

Doña Concha fue una mujer inútil, muy inútil hasta que abría la boca, entonces nacía el genio. Esto no lo digo yo, lo aclaraba ella misma en una de sus entrevistas… “yo he nacido para cantar, no valgo para otra cosa…”.

La cabezonería, seguridad y decisión que marcaron su trayectoria floreció desde los primeros años de su infancia. Pese a las negativas que recibió en sus primeras actuaciones infantiles, Conchín se presentó un día en el Teatro Sogueros de Valencia… Allí, ni corta ni perezosa se plantó y gritó: “Vengo a cantar” y allí se quedó una buena temporada hasta que la vio el Maestro Penella, que se la llevó a “hacer las Américas”.

Corrían los años 20 en una España sumergida en la pobreza, Conchín, todavía una niña, no hablaba castellano, sino un dificultoso y profundo valenciano con un acento muy arraigado que complicaba su perfecto entendimiento. Al poco tiempo no sólo dominaba ya el castellano, sino que “hablaba inglés como un loro”.

Tenía sólo 16 años cuando triunfa en Broadway contratada por los empresarios más importantes de la época, los hermanos Shubert. Concha vivía lejos de su familia, sola y nada se sabe lo que sucedió en estos años, pero nos ha quedado una muestra de su temprana decisión y modernidad al hacer algo que por aquel entonces era considerado como un pecado mortal para cualquier española. Sí, la Piquer posó semidesnuda (“desnuda” o en “top-less” como se consideró en la época) en unas fotos que rebozan erotismo y sensualidad, unas fotos de las que sólo conocemos las dos conservadas en el Museo del Teatro de Almagro.

Su llegada a España a finales de los 20 vino con la polémica de una de sus primeras canciones “La Maredeueta”, considerada una herejía y un sacrilegio por la Iglesia Católica. En estos años el repertorio de la Piquer andaba lejos de la Copla y más cercano al cuplé que ya empezaba a agonizar. Aún así ya era conocida en el país entero.

Su ego la llevó de la mano a una de las polémicas más sonadas, su conflicto con Pastora Imperio, el típico duelo de estrellas: ¿Quién actúa primero?. La Piquer salió airosa, como siempre.

Ya entrada la década de los 30 tiene lugar un mítico y legendario hecho, digo legendario y mítico porque aún hoy no se sabe si fue verdad, pero ha quedado en la memoria popular como un cotilleo; se trata del encuentro con Rafael de León. El poeta se acercó a su camerino tras presenciar una actuación suya en Sevilla. La anécdota es reflejo de la libertad que existía en el mundo de la “farándula”:

- “¿Es usted Conchita Piquer?”.
- “¿Y usted es maricón?”
- “¿En que lo notó?”
- “En la gorra”.

A partir de aquí se hicieron inseparables y junto al Maestro Quiroga inventaron y llevaron al máximo un nuevo género: La Copla.

En los años de la Guerra Civil Conchita se había convertido ya en Doña Concha, una mujer culta e inteligente que se codeaba con personas muy poderosas e influyentes de la época. Pasó la contienda en el llamado territorio nacional y ello le valió la etiqueta de “artista del régimen”, calificativo que como toda etiqueta no era cierta. Su trayectoria y vida privada en los años del franquismo estuvo llena de problemas con el régimen.

El primero fue por declinar una invitación de Carmen Polo. Por aquel entonces se organizaban fiestas en El Pardo en que los artistas eran “invitados” (obligados por las buenas) a actuar. Doña Concha no quiso interrumpir las actuaciones que tenía contratadas, consideró el Teatro más importante. La Collares no sólo no la perdonó nunca, sino que ordenó que le retuvieran el pasaporte cuando ésta se disponía a ir a América.

Ya escarmentada no se le ocurrió negar una nueva invitación de Franco a una fiesta y cacería en La Granja. Tras una pequeña actuación se le hizo tarde y se dispuso a tomar el té. En medio de la merienda un recadero se le acercó y le comunicó que el generalísimo la quería ver ahora cantando Ojos Verdes. Esto ya fue demasiado para su orgullo y reprendió de la siguiente forma: - “¿Su Excelencia ha merendando ya?. Pues comuniquele que yo ya terminé mi actuación por hoy y que estoy merendando. Si quiere verme cantar, que vaya al teatro…”. Ante esa negativa, hubo una nueva proposición a lo largo de la tarde. Al terminar la fiesta se organizó un saludo de todos los artistas al generalísimo, saldrían todos al escenario para un aplauso general. También se negó porque consideró que no había ido allí a saludar: “¿Me toman como una chica de Colsada?... ya me habían aplaudido bastante cuando salí a cantar”. No serían los únicos reveses que recibiría el Franquismo por parte de la Piquer.

En años años 40 nace una Piquer aún más rebelde y libre de perjuicios. En aquellos años el régimen veía en las vidas de las estrellas una forma de exaltar los valores ideales que debía tener toda buena mujer. Juanita Reina fue un ejemplo de ello, no ocurrió así con Concha Piquer. Ya se había enamorado de Antonio Márquez, que por entonces estaba casado, por lo que la boda ni fue posible, ni creo tampoco deseada. Se preocuparon exclusivamente de disfrutar el uno del otro y el otro de uno. La Piquer se convertía en la otra y en la única al mismo tiempo, una vergüenza para la moral católica reinante en la época que ella no la llevó en silencio, sino que fue pregonada por cada una de las lágrimas que de sus ojos brotaban cada vez que cantaba el mítico estribillo del “Romance de la Otra”.

Sus canciones… D. Rafael de León, letrista de la mayoría y de las más famosas coplas le coló varios goles a la censura. Sus letras exaltaban sentimientos castigados y señalados, perfiles de mujeres “ligeras y zafias” que estaban muy mal vistas y que llevaban vidas impensables para la mayoría y especialmente para los altos estamentos. Así, Concha Piquer estrena uno de sus grandes éxitos: “Tatuaje”, canción con ritmo de Tango en la que una prostituta de los puertos se enamora de uno de los marineros que había requerido sus servicios. Ella no sólo cantaba, sino que interpretaba, así que para colmo de males cada vez que sonaban los primeros acordes de la canción salía al escenario una sugerente y fatal Piquer, que comenzaba a cantar fumando. Fumar era un pecado si se era mujer en 1940, pero Doña Concha no sólo lo hacía en su vida privada, sino también en público… cada vez que le apetecía.

Durante los locos 20 su estilo era más cercano al Cuplé. Fumando mientras interpreta Tatuaje.

De nuevo la prostitución estuvo presente en su repertorio y esta vez fue de una forma más directa y notoria. Admiraba a sus amigos Quiroga, León, Valverde… y consideraba sus canciones como creaciones únicas e inmodificables y menos por razones de una censura, que para su educación americana era absurda y estúpida. Así que pagaba orgullosa una multa de 500 ptas., un dineral en la época, por cantar “apoyá en el quicio de la mancebía” los “Ojos Verdes”, en lugar de “en la puerta mía” como se dictaba desde la censura.

A ello se le unió otro mazazo para la moral franquista. La Piquer, soltera, se quedó embarazada. El mayor escándalo, máxime cuando se trataba de una estrella de fama internacional. Su hija no sería reconocida en España, porque la ley no la amparaba. Así hizo coincidir su parto con una actuación y viaje a Argentina, donde gozaba de la amistad de personalidades como Eva Perón, madrina de su primogénita. En este país, por cierto, tiene lugar otra de las anécdotas que reflejan su carácter y testarudez. Le recomendaron que cambiase su nombre artístico por Concepción y así evitar las risas que en Argentina produciría su nombre de Concha. No sólo se negó a eso, debutó como Concha y se hizo respetar y admirar como tal.

Hay que tener en cuenta que Concha fue educada en América. Por ello sus formas diferían mucho de la España de la época. Era una mujer llena de inquietudes y enormemente independiente e inteligente, ello la llevó a ser una de las primeras mujeres con permiso de conducir y coche propio, algo reservado para hombres. Su inteligencia afloraba en su arte, la Piquer estudió música y usaba su voz como un instrumento más, con sus propias reglas, cuidando siempre la armonía. A diferencia de sus compañeras, no cantaba con el corazón, sino con la cabeza y esto la llevó a ser perfecta, algo que sabía.

Conduciendo su propio coche.

Para la posteridad quedará también su fuerte carácter y malhumor. Esta fama se debe a que para ella el Teatro y su arte no era cualquier cosa y exigía en todas sus actuaciones la perfección absoluta. De ahí las famosas multas que tenían que pagar los miembros de su compañía si eran impuntuales o se presentaban sucios o mal vestidos. Eso le sucedió en una ocasión a Manolo Caracol, al que no tuvo reparo de despedir.

“¡Con ser la Piquer me sobra y me basta!”. Con esta frase recibieron las autoridades políticas otro revés del orgullo de la Piquer. En 1962 le comunicaron que habían decidido otorgarle la máxima distinción que existía en aquella época, la medalla de Isabel la Católica, que ella enérgicamente rechazó con la anterior frase. Quizás la verdadera razón se hallaba en que años atrás se la dieron a Juana Reina, por eso confesó “… después de tenerlo Pelé, Melé y el chiquillo de la Bengalé yo no lo quiero”. Asimismo, se negaba al reconocimiento hacia su persona por parte del régimen y de altas esferas del franquismo, rechazando al mismo tiempo el trato de excelentísima que conllevaba dicha condecoración.

La rivalidad entre ambas siempre estuvo ahí. Juanita Reina gozó siempre de un gran éxito y fue siempre muy aplaudida y querida allá por donde iba. Tan sólo coincidieron una vez donde estuvieron muy diplomáticas. La sevillana siempre tuvo palabras de admiración para la valenciana, mientras que ésta sólo se refirió públicamente una vez a Juana Reina para decir ambiguamente que “era de buena familia”. Doña Concha no soportaba homenajear a sus compañeras, ni que ante ella interpretasen sus canciones, pero no tuvo reparos en reinterpretar piezas del repertorio de Juanita Reina.

Con los Maestros León, Quiroga y Quintero. Durante el Homanaje al Maestro Quiroga, la única vez que se pudo ver juntas a Concha Piquer y Juanita Reina, quin acudió acompañada de su esposo Federico Casado, "Caracolillo de Triana".

Doña Concha Piquer siempre fue así, ni franquista ni antifranquista, fue sólo de ella misma: de la Piquer. Era tan inteligente que sabía donde llegaba su valía artística y era orgullosa porque tenía razones de sobra para serlo. Lo que es indiscutible que su estilo quedará y permanecerá siempre por encima de modas, de décadas y de generaciones. Fue una mujer que hizo siempre lo que le dio la gana en tiempos en los que estaba más que prohibido.

Fue tan perfecta y perfeccionista que resulta llamativa su retirada. Cuando estaba en la plenitud de su arte y éxito, una noche actuando en Isla Cristina ella notó mientras entonaba “Mañana Sale” que sus facultades no eran las que ella exigía. Un matiz que no notó nadie, ni el público, ni los músicos, ni el cuerpo de baile. No obstante, ella segura de sí misma reunió a toda la compañía y les comunicó: “Esta noche han escuchado por última vez a Conchita Piquer”. No volvió a actuar públicamente nunca más, salvo en contadísimas ocasiones muy personales.

LA DIOSA OCAÑA

2007-09-16T02:52:00.001+02:00

LA DIOSA OCAÑA: Varios Textos.

Ocaña paseando por Las Ramblas de Barcelona entre Nazario y Camilo.

1. "Personaje y artista".

José Pérez Ocaña nació en Cantillana, un pueblo sevillano, allá por 1947. Desde pequeño no puso ningun impedimento a su homosexualidad mostrandose claramente como él era. Corrían años díficiles en general para España, pero especialmente duros en el entorno rural de Andalucía, por lo que tuvo que trabajar en el campo desde muy temprano. Más tarde, rondando la veintena cogería por primera vez una brocha, pero de las que llamamos aqui "gorda", porque empezó con su tio a trabajar pintando (blanqueando como decimos aquí) paredes.

El joven Ocaña fue siempre muy observador, le encantaba todo aquello que tenía un protocolo y una imagen grandilocuente. Le fascinaban de esta manera los entierros a la antigua usanza, los velatorios de plañideras, las reuniones de viudas o de "viejas del pueblo" como él las llamaba. La primavera era una de sus épocas favoritas, tenía una gran afición por las flores, por los coloridos, por las luces, por los cuerpos desnudos, por el aire... llegaba el verano y venían sus días grandes cuando el 25 de agosto su pueblo celebraba las fiestas de la Asunción Gloriosa.

El teatro fue otra de sus grandes pasiones, admiraba la obra de Lorca y los hermanos Alvárez Quintero;se extasiaba observando con minuciosidad las interpretaciones de su hermana mayor en un grupo de teatro local. También siendo jovencito empezó a pintar, sin ningun tipo de formación, sólo por placer y por dar rienda suelta y libertad al volcán creativo que tenía en su interior.

En 1970 cansado de la hipocresía social que encontró en sus entorno, buscando libertad y queriendo ampliar su actividad como artista marcha a Barcelona. Allí alternó su trabajo de pintor de paredes con su labor artística. Fueron años muy duro, pero por su personalidad pronto fue muy conocido. Organizó varias exposiciones, pero él no sólo fue pintor. Además organizaba lo que el denominaba "teatrillos", él se autodefinía como teatreo. Solía salir travestido y hacer actuaciones escandalosas llenas de folclóre con un puntito transgresor. Así hacía paseos por Las Ramblas, por la Plaza Real (donde residía), procesiones, cantaba por Juanita Reina, etc....

Fue su época dorada junto a los artistas Camilo y Nazario, los tres paisanos que se marcharon un día hacia Barcelona para despertar a golpe de pintura, abanicos y maquillaje a un país que todavía seguía inmerso en un letargo en blanco y negro, herencia del duro régimen anterior. Sus manifestaciones y desnudos integrales en plena calle le causaron grandes problemas, que él sabía sacar su parte rentable. Por escándalo público fue encarcelado en torno a 1976, este hecho motivó una de las primeras manifestaciones a favor de los derechos de gays y lesbianas, protestando en contra de su arrestro.

En 1983 un accidente en su pueblo natal le provocó la muerte. La versión oficial cuenta que en una fiesta infantil una de las bengalas que llevaba su traje de Sol prendió su disfraz, ocasionandole graves quemaduras que le condujeron a la muerte poco tiempo después. Hay otra versión según la cual, Ocaña iba vestido de Dama de las Camelias y fue un niño quien le arrojó una bengala.... Sea como sea, murió demasiado joven, entrando por la puerta grande en el mundo de los mitos. Su pintura es su ambiente, es él mismo. Las calles y el entorno popular de Cantillana, los cementerios, las viudas, los monaguillos, las flores, mujeres andaluzas, sus vírgenes, especialmente la Asunción Gloriosa y la Divina Pastora que colgaba sobre su cama y que veremos proximamente. "La Ocaña" fue un humanista, un filosofo y un antropólogo cuya teoría y visión de la vida queda reflejada en cada uno de sus cuadros.

2. "La Religión como fetiche".

"La Asunción Gloriosa".

La presencia y devoción mariana está muy inculcada en la idiosincrasia de muchos pueblos de la provincia de Sevilla. En muchos de ellos, la devoción a una determinada advocación mariana te identifica con un grupo social y te diferencia del resto. Son los llamados "piques", el pueblo divido entre dos vírgenes fundamentalmente. Además, es muy tradicional que la Virgen sea tratada como un familiar cualquiera, más que como una divinidad, devinculándose así a veces de lo que representa. De este modo, se puede no ser cristiano, pero vincularse a una Virgen.

Este caso se da en Cantillana, el pueblo natal de José Pérez Ocaña a quien le dedicamos el fotolog de manera excepcional estos días. En Cantillana hay dos devociones especialmente marcadas y presentes, por supuesto rivanlizando entre ellas, por un lado está la Asunción Gloriosa y por el otro la Divina Pastora. En Sevilla algunos grupos de homosexuales siempre se han sentido muy atraidos e identificados por todo el folclore que la tradición mariana despierta y la Ocaña no se reprimió.

Aunque desde muy joven empezó a detestar la Iglesia y a no creer en sus mensajes, no pudo, ni quiso desprenderse de su cultura, de todos los valores etnológicos que le rodearon y marcaron su infancia. Sus cuadros representan su visión de la vida y su personalidad y por ello, la Virgen será una de las principales protagonistas de su obra. Como él mismo confesaba, son "fetiches".La Ocaña pertenecía al "bando" asuncionista, es decir, los que son devotos de la Asunción Gloriosa, a la Virgen le gritaba numerosos piropos tal y como lo hacían los homosexuales y las mujeres del pueblo. Él defendía estas procesiones y festividades y atacaba a todo aquel que las considerase trasnochadas y retardatarias. Para él tenían un alto componente estético y artístico, siendo una prueba y una manifestación de la cultura y la forma de ser del pueblo. Las procesiones y las Vírgenes sevillanas tenían para él colorido , arte y alegría, lo indispensable para que despertase su atención.

Por todo ello, era justo comenzar poniendo esta pintura que representa la Asunción Gloriosa de María, rodeada de ángeles y con el pueblo de Cantillana y la iglesia parroquial de la que es titular al fondo. La obra es muy representativa de su estilo naif, recordemos que no tenía grandes pretensiones artísticas ni formación, solo buscaba obtener placer pintando y dar rienda suelta a su creatividad. Otros cuadros de esta temática son la Divina Pastora que tenía colgada sobre su cama o la Virgen de Montserrat, actualmente expuesta en la Abadía de Montserrat.

3. "Ejemplo de Trasngresión y Lucha".

Ocaña era un artista completo, encarnando el ideal humanista del Renacimiento, pero en una versión del underground del siglo XX. Su tratado filosófico no estaba escrito, sino pintado. Su obra refleja su mundo, su cultura, su formación, su cotidianidad; en definitiva, su visión particular de la vida.

Este dibujo es una prueba de ello. Dentro de la producción pictórica de Ocaña encontramos algunas obras que reflexionan sobre la represión. Todo lo que sonaba a prohibición y censura a Ocaña le producía aborrecimiento y suponía lo justo y necesario para que él hiciese todo lo contrario. La represión la sufrió desde pequeño, en su pueblo de Cantillana por parte de una sociedad rural de mentalidad conservadora y tradicional, de la Iglesia presente en su colegio..., pero él siempre estuvo por encima.

Cuando llegó a Barcelona su libertad se amplió muchísimo más, pero la represión estaba ahí. Aún el país estaba inmerso en una dictadura difícil que agonizaba y que una vez muerta dejó su herencia en la forma de pensar de muchos y en normas tan llamativas como la Ley de Peligrosidad Social. En estos años Ocaña deja muchísimas pruebas de su personalidad libre. En varias ocasiones se desnudaba por la calle, en lo alto de cualquier furgoneta, se travestía y salía a la calle, como vimos hace dos días.

La noche del 25 de Julio de 1978 Ocaña se presentó con su particular imagen en la Verbena de San Jaime de Barcelona, montando uno de sus "teatrillos". Su asistencia no fue bien vista por algunos, siendo detenido por la policía porque su "show de travestismo" era todo un escándalo público. Además de él, también arrestaron a sus amigos y acompañantes, como Nazario y José.

La noticia se extendió con celeridad aquella noche, ya Ocaña era muy conocido. Así que de manera espontánea los miembros del Front D'alliberament Gai de Catalunya organizaron una manifestación que partió desde Las Ramblas hasta la Plaza Real. Acudió un notable número de personas pidiendo el final de la represión que sufrían los gays y lesbianas, así como la liberación inmediata de Ocaña y sus compañeros. No podía ser de otra forma, la manifestación fue disuelta violentamente por la policía urbana, ocupando de este modo un gran espacio en la prensa del día siguiente. Por ejemplo, desde El País se aprovechaba la noticia para animar a otras organizaciones para que se declarasen a favor de Ocaña y sus amigos.

Finalmente, el 29 de julio fue puesto en libertad junto a sus amigos sin fianza, hecho que aprovecharon los del Front D'alliberament Gai de Catalunya para protestar por la "represión continua y solapada que se ejerce sobre los homosexuales".El dibujo de Ocaña refleja uno de esos momentos. Un personaje que puede identificarse perfectamente con él, siendo castigado por la Policía. Como dije anteriormente, el tema de la represión será una constante en su producción. También veremos a muchas prostitutas en la cárcel o siendo maltratadas por la policía. Ocaña tenía absoluta veneración por este tipo de mujeres, a las que llamaba "vírgenes de carne".

4. "Amigo de Nazario".

Con Nazario en la exposición "La Muerte del Underground", Galería Brossolí de Barcelona.

Una tarde de 1974 Nazario y su amiga Josette acuden al barcelonés Café de la Ópera, situado en plenas Ramblas, frente al Liceo (el mismo café donde Ocaña canta "Yo soy esa" en la película de Pons). Esta tarde a través de esta amiga Nazario conoce a Ocaña y Camilo, iniciando una amistad tan profunda que a pesar de la ausencia de Ocaña sigue vigente en la actualidad.

Ocaña y Nazario, ambos supieron conectar desde el primer momento. Los dos pintores y artistas, los dos de origen sevillano, el primero de Cantillana y el segundo de Castilleja del Campo, los dos homosexuales y los dos libres y rompedores. Las fiestas se sucedieron para ellos durante los últimos años de los 70. Paseaban por la Plaza Real, de ahí al Café de la Ópera y luego a recorrer Las Ramblas vestidas de gitana, "haciendo patria".

Los primeros años de democracia estuvieron marcados por multitud de actos celebrados por partidos y grupos comunistas que Ocaña y Nazario no dejaron pasar. Entre el 22 y 25 de julio de 1977 se celebraron las Jornadas Libertarias en el Parque Güell. Ellos no esperaron y actuaron la primera noche. Nazario, Ocaña y Camilo junto a otros amigos se subieron al escenario travestidos, aunque al poco tiempo terminaron completamente desnudos, rompiendo y desgarrando sus ropas que después arrojaban al público. El desmadre llega a su culmen cuando Ocaña, completamente desnudo, se mea sobre el público, provocando una reacción que se pueden imaginar. Durante las noches sucesivas los organizadores intentaron vetarlos de todas las maneras, pero al final acaban encima del escenario repitiendo numerito. El acontecimiento también puede verse en la película de Pons, que fue rodada pocos meses después. En ella aparece muy poco Nazario, porque sorprendentemente es muy tímido para este tipo de cosas; eso cuando no estaba borracho claro.

Un año después, el 25 de Julio de 1978, tal y como les conté ayer, fueron detenidos por la policía urbana en la verbena de San Jaime. Aquella noche Nazario iba travestido con un traje de la cantante Salomé, regalo de Ocaña, quien iba vestido de viejecita (hay un dibujo de Ocaña que representa esta escena). Terminaron en la comisaría recibiendo una paliza y luego en la cárcel, donde conocieron a miembros de Els Joglars y a un montón de gays.

En 1983 el novio de Nazario, Alejandro decide acompañar a Ocaña a Cantillana. Habían preparado unas fiestas y Ocaña tenía pensado un disfraz, el mismo que saldría ardiendo aquel desgraciado día provocándole las graves quemaduras que le llevaron a la muerte. Su desaparición marcó el final de una época y el principio de otra, la Plaza Real de Barcelona y Las Ramblas siguen siendo maravillosas, pero no son las mismas que las de Ocaña... igualmente Nazario. Él sintió muchísimo su pérdida y a partir de entonces se le ve un cierto cambio, se hace más reflexivo y eso se nota en su obra.

A los pocos meses de esta tragedia Paloma Chamorro, no podía ser de otra forma, homenajea a Ocaña en "La Edad de Oro". Acudieron Nazario y Camilo que lo recordaron con su particular estilo. Nazario le ha dedicado muchas pinturas a Ocaña. Unos bodegones maravillosos o vistas de la Plaza Real, donde siempre hay un detallito que le recuerda. Otro homenaje fue celebrado un año después de su muerte. Ocurrió en la Plaza Real y acudió mucha gente disfrazada que no pararon de bailar, Nazario y Alejandro hicieron acto de presencia vestidos de torero. Pocos meses después, Nazario lleva a la pintura el sueño que le confesó a Paloma Chamorro. El resultado fue "La Asunción Gloriosa de Ocaña al Reino de los Chulos".

5. "La Muerte, el teatro que no quiso perderse".

La forma de entender la muerte en los pueblos ha propiciado el nacimiento de una serie de tradiciones y costumbres que se manifiestan en un protocolo de actuaciones que deben seguirse cuando ésta llega. Era muy típico hace años costumbres como las plañideras, mujeres que iban a llorarle al cadáver, el velatorio o los entierros, donde se seguían unas pautas de comportamiento muy marcadas y fijadas por la tradición, que marcaban buena parte de la idiosincrasia y la cultura del pueblo.

A Ocaña le llamaba la atención todo esto y supo sacar su esencia popular y antropológica y transportarla a su pintura. Se sentía atraído por la estética de los cementerios antiguos, de las ceremonias de enterramientos de hace años, porque ese protocolo en su esencia no era más que un teatro, el pueblo según su situación adoptaba un determinado papel o rol que debía cumplir. Esto a Ocaña le fascinaba.

Los cementerios, los enterramientos, las plañideras, velatorios y las viudas de su pueblo Cantillana, quedarán plasmados en muchas de sus pinturas, constituyéndose la muerte y su entorno como una de las temáticas básicas a lo largo de su producción artística. La muerte además estaría presente en sus "teatrillos", lo que hoy llamaríamos Performances. En multitud de ocasiones representará dramas relacionados con trágicas y desgarradas muertes propias del teatro lorquiano.

6. "Beatificación después de la muerte".

La Gloriosa Asunción de Ocaña al Reino de los Chulos. Nazario

Hoy Ocaña es uno de los artistas más valorados por la crítica especializada y por el mercado del arte contemporáneo, donde sus obras alcanzan un elevado valor. Han sido varios los homenajes y exposiciones antológicas las celebradas en su honor y recuerdo, incluso una calle de su localidad natal, Cantillana, está dedicada a su persona.

... Ocaña, fuego infinito ...

En Youtube pueden ver los siguientes videos:

Video Homenaje a Ocaña: http://es.youtube.com/watch?v=naoFo-s4ktI

Paseo por las Ramblas: http://es.youtube.com/watch?v=kqX_sW94J6w

Teatro: http://es.youtube.com/watch?v=gbyOAvIzKoM

Publicado en http://www.fotolog.com/falsascostumbres

La que no tenga un palacio, que no tenga un Costus.

2007-03-04T13:50:00.000+01:00

"Cartel de la Exposición"

A finales de 1981 la primera Piedad de Costus llegaba a Jérez dentro del proyecto “ANDANA: Pintores andaluces que viven fuera de Andalucía”. Años más tarde, en 1997, el Claustro de Santo Domingo albergó la exposición “Costus: pinturas y esculturas en colecciones andaluzas”. Una década después, su obra visita de nuevo Jerez agrupada en un representativo recorrido por sus series bajo el título “Costus: del Chochonismo Ilustrado a la Serie Andaluza”.

Alcázar de Jerez.

“La que no tenga un palacio, que no tenga un Costus”. Se cumplió esta frase con la que Enrique callaba los insistentes consejos de Capi para que pintasen sobre formatos más pequeños y así hacerlos más comerciales. El 3 de marzo de 2007 las grandes puertas de un palacio de origen almohade, el Alcázar de Jerez, se abrieron para acoger durante un mes sus pinturas. Y ellos lo sabían.

Hay quienes dicen que nadie muere hasta que fallece la última persona que le conoció. Y es verdad. Más allá de una muestra de arte contemporáneo, más allá de una pequeña retrospectiva de Costus, más allá de un homenaje a Juan y a Enrique, la inauguración de la exposición “COSTUS: DEL CHOCHONISMO ILUSTRADO A LA SERIE ANDALUZA” fue toda una exaltación de la amistad. Allí estaban y se reunieron una vez más parte de su familia y sus íntimos. Desde Olvido a Eugenia Suñer, pasando por Txomin Salazar, Manolo Cáceres, Capi, etc. Con muchos de ellos tuve la oportunidad de recordarlos, unos me comentaron anéctodas divertidísimas sobre ellos, al mismo tiempo que Olvido confesaba que no “olvidaría” nunca su estancia en las playas de los Caños de Meca, mientras pasábamos a ver el “Muchacho de Sanlúcar”. Juan y Enrique estaban presentes, en ningún momento se les recordó porque no es necesario recordar a quienes están entre nosotros; por un instante parecía que habían ido al baño y en cinco minutos volvían. Todos hablábamos de ellos en presente.

Ricardo Carrero, comisario de la exposición, con amigos de Costus.

El acto comenzó a las 12:00 h. con la típica rueda de prensa e introducción, Ricardo Carrero presentó la exposición a la que tanto tiempo y esfuerzo ha dedicado. Por último, Olvido recordó el perfil humano de la pareja. De su discurso he extraído la cita que le da título a este pequeño artículo.

Subimos las escaleras y allí nos reciben Juan y Enrique, con Zorba y Tula en brazos, inmortalizados por Paco Navarro. En la primera sala “La Marina te llama”, todas las Marinas, una frente a la otra, con sus amplias sonrisas, más bellas, radiantes y altivas que nunca. Entre ellas un regalo de la “arqueología artística contemporánea”, el silueteado de Lola Flores que Enrique Naya pintó para su “Arquitectura Nacional y otros Monumentos”. La Faraona llegaba a casa…

Olvido y Mario Vaquerizo.

No podía ser de otra forma, Los Chulos en el cuarto oscuro, irradiando su fluorescente y potente luz, como me dijo hace tiempo Ricardo “se pasan de modernos 20 años más”.Tras saludar a “La Macarena de a diario”, la misma que daba la bienvenida a los visitantes de la Palma,14, se pasaba a una de las salas más intimistas. Allí encontrábamos artículos diseñados por ellos, objetos personales, gafas, bisutería, posters, carteles, etc. En otra sala algunos de sus famosos retratos como los de su querida Eugenia y Gema Suñer, Sara Montiel friendo el huevo de su pernicioso régimen, Juan inmortalizado junto a Lala en el “Despertar de Quetzalcoalt”... Casi como un éxtasis místico es dejarse llevar por el vivo y rico colorido de las pinturas mexicanas y egipcias. Al final del pasillo, el Mar y su cultura milenaria hecha pintura: “La Andalucía de Séneca”, representada por “Casa de Pilatos”, “Caños de Meca”, “Chico de Sanlúcar” y “Pareja en el arco”.

Julio Pérez Manzanares, historiador de arte y especialista en Costus.

Mientras uno se rodea de su obra pierde completamente la noción de su entorno, del tiempo, de la gente… Costus logran con sus pinturas sumergir al espectador, envolverlo y trasladarlo, de tal forma que te das cuenta de la realidad cuando terminas de ver el último cuadro y exclamas ¡¿ya?!... y es que siempre, siempre, queremos más de ellos. Afortunadamente había una sorpresa deliciosa en forma de conferencia por parte Julio Pérez Manzanares, el mejor conocedor de toda su obra. El chico habló de Costus y su obra de una forma amena, amistosa, cercana y tan emotiva que Olvido no pudo reprimir algunas lágrimas.

Si la noche del 13 de octubre de 1981 había luna llena para recibir “El Chochonismo Ilustrado”, en Jerez el sol con su fuerza y luz nos adelantó ese día la primavera para dar la bienvenida a su obra.

Exposición. "COSTUS: DEL CHOCHONISMO ILUSTRADO A LA SERIE ANDALUZA". Hasta el 30 de Marzo de 2007. Alcázar de Jerez de la Frontera (Cádiz). http://www.costus.es

Enlace Prensa: http://www.diariodecadiz.com/54986_ESN_HTML.htm

Fotolog: http://www.fotolog.com/falsascostumbres

Mi mail: dinaramado@gmail.com

CON LOS TACONES DE MAMÁ: Historia del Travestismo y Transformismo.

2007-01-07T02:11:00.000+01:00

"Hércules en la corte de la Reina Onfalia".

"La mujer no llevará vestido de hombre, ni el hombe vestido de mujer,

porque Dios aborrece al que hace tal cosa"

Deuteronomio 22,5.

Travestismo y Transformismo términos muy similares, que a veces confundimos. Ambas prácticas comparten un mismo hecho, vestirse y tomar actitudes propias del sexo contrario, pero difieren en el sentimiento. Digamos que el Transformismo es más frío, la persona se “transforma”, se maquilla, se viste, pero una vez que todo ello se elimina, se vuelve a la cotidianidad. En el Travestismo quizás haya una implicación sentimental más profunda, hay un intento, prologando o limitado, de sentirse mujer u hombre.

La palabra Travestismo nace en 1910 de manos del investigador Magnus Hirschfeld en su obra “Conductas sexuales humanas”. Claro que este médico alemán entendió el acto de vestirse con ropas del sexo contrario como una perversión clínica. Mucho se ha adelantado y corregido de estas palabras. Personalmente creo que podríamos eliminar cualquier tópico o circunstancias que se le suelen atribuir. Hay tantos y tan variados ejemplos de travestís, que muchos se escapan de los límites que impone cada definición.

Pero no hubo que esperar hasta 1910 para hablar de travestismo, anteriormente se usaba el término eonismo. Con esta expresión se definía aquella persona que adoptaba los roles del sexo opuesto, aunque se le daban matices sexuales. La palabra en cuestión proviene de D’Eon de Beaumont, al que más adelante le dedicaremos unas frases.

A lo largo de la Historia el travestismo ha sido una práctica repetida constantemente en todos los ámbitos. Tanto por hombres, como por mujeres, siendo más famosos los casos de hombres que visten de mujer que al revés. Célebres nombres de personajes históricos y hazañas quedarían incompletos sino hablamos del fuerte componente travesti, valga para ello el caso de Juana de Arco.

Las primeras noticias sobre travestís nos llegan desde la Antigüedad. Se conservan muchísimos vasos cerámicos decorados con figuras y escenas que narran este tipo de prácticas.

Una de las primeras historias conocidas nos la cuenta Hesiodo en su obra “Los trabajos y los días”, donde narra una de las versiones de la vida de Tiresia. Un día estando en el bosque el muchacho observa dos serpientes copulando y decide matar a la hembra. Como castigo divino, quedó convertido en mujer repentinamente. Tiresia comenzó entonces a vivir y ejercer como mujer, sexo incluido, hasta que una tarde observa de nuevo a dos reptiles copulando. Tiresia opta ahora por matar al macho y recuperó su género primigenio. Zeus que discutía con Hera sobre si el hombre disfrutaba más del sexo que las mujeres, mandó llamar a Tiresia para que resolviese el debate. La respuesta fue muy clara: la mujer es la que más disfruta. Estas palabras causaron tal malestar en Hera, que montó en cólera y le arrancó los ojos. Finalmente Zeus arrepentido le concedió el don de la clarividencia. Quizás en este caso estemos hablando más de Transexualidad que de Travestismo.

Pero no sólo era éste el único episodio de travestismo en la mitología clásica. El héroe Hércules, considerado el ideal masculino, también tiene un momento travesti. Cuando Hércules es vendido como esclavo a la Reina Onfalia surge una historia de amor entre ellos que sería conocida porque ambos invierten sus roles. La reina se viste con la piel del león de Nemea, mientras Hércules vestido de mujer, trenzas incluidas, se pasaba los días hilando con una rueca.

Otro héroe, Aquiles, también tuvo su pequeño momento travestido. Alertada por el Oráculo de Delfos de que su hijo moriría en Troya, Tetis decide disfrazarlo de doncella y esconderlo en la corte del Rey Licomedes en Esciros. Su nombre ficticio fue Pirra (“pelirroja”). Allí fue descubierto cuando ante el ofrecimiento de joyas y armas por parte de Ulises, disfrazado de mercader, éste opta por lo segundo.

Ovidio en sus “Metamorfosis” cuenta el mito de Ifis. La extrema pobreza en la que vivían sus progenitores obligó a su padre Ligdo a tomar una drástica decisión: no podrían mantener a una hija, si no nacía varón tendría que matarlo. Teteusa, su desesperada madre, pide la intercesión de Isis, quien se aparece como matrona y le ordena que cuidase a su futuro hijo, con absoluta independencia del sexo al que pertenezca. Finalmente nace una niña, pero su madre la hace pasar como hombre a lo largo de toda su vida. Su padre Ligdo jamás dudó el sexo de su hijo, a quien le impuso el nombre de Ifis en honor a su abuelo. Con los años, Ifis comenzó una relación con la joven Yanta, a la que abandona porque era consciente de que aquella relación era imposible, puesto que era mujer. Madre e hija acuden al templo de Isis a implorar clemencia. Se aparece de nuevo la diosa Isis y finalmente Ifis sale del templo convertido en varón.

Como toda costumbre griega fue continuada en Roma, pero de una forma más intimista. De todas formas el travestismo fue algo muy común y frecuente en el mundo del teatro.

Con la llegada de la religión católica se supone que llega el final de todo esto, pero no. La religión que hoy señala con el dedo y acusa a todo aquel que se traviste, cuenta en su lista hagiográfica con varias travestís.

Desde los primeros tiempos, desde sus inicios muchos Santos se encargaron de hablar sobre travestismo y acusar, aunque aquí no se hacen distinciones entre travestismo y transexualidad. Esto podemos verlo claramente en el Evangelio de San Mateo, donde se escribe “Eunucos que se hicieron tales a sí mismo por el Reino de los Cielos”. Entendemos por Eunuco un hombre castrado, que al sufrir la pérdida de sus genitales se iniciaba en él un proceso de feminización, era una consecuencia hormonal. Más tarde Freud hablaría de esto cuando teoriza sobre lo que denominó “Complejo de Castración”.
San Jerónimo insistiría en la misma idea. De sus Cartas podemos extraer citas tan claras como: “Otras se visten de hombres, cambian la indumentaria, se avergüenzan de ser de lo que nacieron, se cortan los cabellos y alzan, con impudor, la apariencia de un hombre”. También San Ambrosio sentenciaba en otra de sus Cartas: “Lo que la propia naturaleza aborrece tiene que ser inapropiado. La naturaleza viste a cada sexo con la indumentaria adecuada”.

Pero una cosa fue la teoría y otra la práctica. La tradición de santas travestís se ha venido repitiendo a lo largo de los siglos. Santiago de la Vorágine en su “Leyenda Dorada” relata alguna de sus vidas. Normalmente estas biografías están señaladas por una línea común. Se trata de mujeres que deben sufrir el martirio de adoptar el papel de hombres para llevar a la práctica aquello que consideraban justo.
Uno de estos primero nombres es el de Santa Tecla que tuvo que vestirse de hombre para acompañar a San Pablo en su misión evangelizadora. Santa Perpetua fue otra travesti, aunque en este caso hablamos solo de un sueño que tuvo en el que aparecía como un hombre luchando en el anfiteatro contra las fieras. La historia de Santa Pelagia es muy significativa. La mujer pasó su vida vestida como un ermitaño y con su nombre en masculino, Pelagio, hasta que a su muerte descubrieron que era una mujer. Esta misma historia es repetida en vidas de otras santas como Santa Marina, Santa Margarita, Santa Eugenia, etc.

Estas historias de santas travestidas siempre han gozado de un enorme interés por parte de los historiadores que desde el siglo XIX han venido divagando sobre ellas. Se ha pensado incluso que el origen de la devoción a santas travestís está en el culto pagano de los Afroditos de Chipe, en los que mujeres travestidas eran sacrificadas, mientras que los hombres lo adoraban vestidos de mujeres. Esta idea fue muy difundida hasta hace poco. Otros historiadores atribuyen el éxito de estas historias a que su mensaje pregona la asexualidad considerada ideal por el cristianismo.

La vida de la Monja Alférez, es decir, Catalina de Erauso constituye un ejemplo excepcional. Fue una monja con una actitud muy viril, que le llevó a colgar los hábitos y huir de la tranquilidad propia de un convento. Catalina llegó a simular e intentar ocultar sus atributos femeninos para convertirse en soldado de espada. Se vistió como un hombre y se comportó como tal. De esta forma inició muchísimos viajes hasta que llega a las Indias, donde participó en numerosas batallas de la conquista. Su carácter luchador, valiente y su audacia con la espada le dieron una enorme fama, por lo que le fue concedido el título de Alférez. Catalina vivía así bajo un nombre masculino, siempre metida en peleas y como soldado que era no perdía oportunidad para coquetear con mujeres. En una ocasión actuó como padrino de un amigo durante el duelo de éste con otro. Su amigo resultó gravemente herido, Catalina decide intervenir dándole muerte a su rival, quien moribundo afirmó que verdaderamente era una mujer y es que éste no era otro que su hermano. Su afición por las peleas y disputas la llevó a ser detenida, decide entonces pedir clemencia al obispo Agustín de Carvajal, a quien le confiesa su verdadero sexo. Escandalizado por la historia, ordenó a un grupo de matronas que la examinasen, llegando a la conclusión de que verdaderamente se trataba de una mujer y que permanecía aún virgen. Su caso llegó hasta la corte y Felipe IV la recibió con grandes honores, la bautizó como la Monja Alférez y la autorizó para que siguiese utilizando nombre de varón. Más tarde viajó a Roma, donde el Papa Urbano VIII le concedió el permiso de vestir como hombre.

Como toda gran historia, la de Catalina de Erauso tiene sus antecedentes. El más evidente es la biografía de Juana de Arco. Anterior incluso es la vida de María Pérez “la Varona”. Se trata de una mujer que en el siglo XII no tuvo reparos en vestir y adoptar el papel de un hombre para formar parte de las filas militares en plena reconquista. Su importante labor en defensa de la fé cristiana la llevó a ser muy reconocida.
Pero estamos ante casos excepcionales. Las prácticas travestís jamás eran expuestas públicamente y se reservaban al ámbito privado y más íntimo, por ello apenas poseemos noticias de la Edad Media y Moderna. Si sabemos que fiestas como los Carnavales se convertían en la excusa perfecta para travestirse. Además el teatro era otro trampolín ideal, sobretodo en época barroca.

Muy frecuente fue en Francia, Gran Bretaña o Italia representaciones teatrales con actores y actrices travestidos. El carácter cómico que adquiría este tipo de actuaciones le otorgó una enorme fama, sobretodo si era un actor quien se travestía de mujer. Tal éxito llegó a obtener que en Gran Bretaña se llegó a imponer un término propio para estos actores, “travesty”. Era una especialización dramática que obligaba a sumergirse completamente en el papel del sexo contrario. Los actores hacían de mujeres y viceversa. Se llegó a tal perfeccionamiento que el público no sabía distinguir el verdadero sexo de los intérpretes. De aquí surgió Madame Vestris, una de las más famosas, conocida como “la Reina Travestí”.

En la otra parte del mundo, en Oriente, el Kabuki causaba furor durante los primeros años del siglo XVII. Se trata de una forma de teatro tradicional japonés. Era una mezcla entre teatro y danza donde las jóvenes mujeres interpretaban, a veces con tintes cómicos, escenas de la vida cotidiana. El escándalo surgió con el ambiente de prostitución y violencia que lo rodeaba. Por tal motivo en 1629 las mujeres fueron expulsadas, sustituyéndose por actores masculinos que se ataviaban de mujeres. Con ello el Kabuki experimentó una evolución: el drama ganó más protagonismo en detrimento de la danza, su éxito comenzaba a crecer. Las escenas eran de tintes obscenos. Lejos de terminar con la prostitución, ésta adquirió un auge insospechado. Eran muchos los hombres que tras terminar la función requerían los servicios de cualquier jovencito, hasta el punto de producirse importantes enfrentamientos por hacerse con los favores sexuales de un determinado actor. Finalmente en 1653 se decide suspender estas prácticas.

Carlo Brochi nació en Italia a principios del siglo XVIII. Durante su infancia destacó por su hermosa voz, idónea para la ópera. Ello motivó que fuese castrado siendo niño para preservar así su maravillosa voz. Fue educado y se formó en los mejores centros de la época. Bajo el nombre artístico de Farinelli se convirtió en uno de los mejores intérpretes de la historia de la ópera. Su hermosa voz le permitió además especializarse en la interpretación de papeles femeninos, por lo que era frecuente verlo travestido. Así es representado en algunos grabados de la época.

En la Francia del siglo XVIII, justo antes de la Revolución, tiene lugar uno de los casos más famosos de la Historia. D’Eon de Beaumont fue un joven que decidió vestirse de mujer y de hombre para investigar las causas de la misteriosa muerte de su hermana. Esta actitud ambigua fue propia a lo largo de toda su vida, llegando incluso a mantener relaciones sexuales con ambos sexos. Nunca llegó a saberse si realmente se trataba de una mujer o de un hombre.

El siglo XIX llega con nuevos espectáculos y lugares de fiestas muy vinculados con el travestismo, que en esta centuria quedará estrechamente unido al mundo del arte, teatro y música. La literatura seguirá encontrando en los travestís una fuente de inspiración única.

En 1868 llega a España La Revista, un género musical de teatro muy vinculado al cuplé que tanto furor causaba. El brillo y las plumas de las vedettes atrajeron a muchísimos homosexuales, que no dudaron en travestirse y actuar como una más en muchos números. Todo esto continuó en el siglo XX, la época de esplendor de este género gracias a las divas favoritas del momento como La Argentinita, La Bella Chelito o La Goya. En medio de este contexto aparece la figura de Álvaro Retana. Un joven deslenguado de familia acomodada que vivó por estos ambientes, diseñando muchos de los trajes que las vedettes lucían en sus espectáculos y componiendo canciones. Sus novelas son una importante fuente de documentación para imaginar y vislumbrar ese transformismo tan frecuente en estos ámbitos. El propio Retana no tenía reparos en autodenominarse “un buen imitador del sexo de Eva”. En sus apariciones públicas no fueron pocas las veces en las que se presentaba ataviado con kimono, cejas muy depiladas y labios pintados a la manera de “boca de piñón”, la moda de la época. Muy comentada fue su aparición vestido con un traje de seda durante una manifestación de proletarias republicanas.

La vida de Álvaro Retana siempre estuvo marcada por el escándalo. Con la Guerra Civil fue condenado a muerte “por rojo y por maricón”, pero gracias a la clemencia de Juan XIII no se llevó a efecto esa sentencia, pasando 9 años en prisión. En estos difíciles años franquistas fue varias veces llamado a declarar por utilizar de forma irreverente símbolos cristianos. Su actitud libre y libertina le causó muchos problemas en este sentido. En una ocasión el fiscal le acusó de beber semen de jóvenes en un cáliz. Ante tal acusación se defendió declarando: “Señoría, yo eso prefiero tomarlo directamente”. Finalmente, como tantos otros, murió olvidado.

A partir de entonces surge una vinculación muy estrecha entre travestismo, espectáculo y farándula que llegará hasta nuestros días. En años aún de la dictadura eran muchos los lugares donde las travestís despistaban a la censura y actuaban. “El Molino” en Barcelona fue uno de los más famosos.

Durante todo el transcurso del siglo XX asistimos al desarrollo y evolución del Cine. El séptimo arte optó en muchos casos por una temática relacionada con este fenómeno. Ya desde los inicios en el cine mudo Charles Chaplin se vistió de mujer en alguna película. A él le siguieron muchísimos nombres. Desde el blanco y negro hasta el color el travestismo ha sido la base de muchos títulos muy reconocidos y famosos. Podríamos empezar con los papeles de Tony Curtis y Jack Lemmon en “Con faldas y a lo loco” y terminar con “Priscilla, Reina del desierto”, protagonizada por un grupo de travestís fans de ABBA. Pero no sólo de historias ficticias se alimenta el Cine, también se versionaron y adaptaron casos reales. Como ejemplo podríamos citar a “Mulán”, producida por la factoría Disney.

En el cine español vemos algunos casos en películas de los 70. El factor travestí en estos casos adquiere matices burlescos, como podemos ver en alguna interpretación de Paco Martínez Soria. Sin duda, uno de los que mejor ha tratado este tema ha sido Pedro Almodóvar que ha conseguido que este tipo de personajes sean característicos en su trayectoria. El último pudimos verlo de la mano de un soberbio Javier Cámara en “La Mala Educación”. Otros directores optaron por retratar a travestís reales, como el caso de Ventura Pons con José Pérez Ocaña.

El mundo de la Revista tuvo una competencia muy importante: La Copla. Los años 60 y 70 estarán marcados por las grandes damas de la copla que tuvieron su versión en travestí. Sara Montiel en el cuplé y Marifé de Triana junto a Lola Flores en la copla serían las preferidas. La propia Lola confesaba en su testamento oral redactado durante su intervención en “Cantares”: "Cuando me muera quiero que me pongan en el teatro Calderón para que todas las mariquitas, que me quieren mucho, vengan a verme".Paco España fue uno de los pioneros en la España de la transición. Aparecía en televisión y en películas como “Un hombre llamado Flor de Otoño”. Son los años de los locales especializados en espectáculos de travestís siempre en las zonas más undergorund de las ciudades, como el Gay Club o el Centauros en Madrid. Pero sin duda, la que más fama obtuvo fue La Esmeralda de Sevilla.

En una difícil Sevilla nace La Esmeralda. Pronto gozó de gran popularidad por su carácter alegre y dicharachero. Sus espectáculos de copla y chistes estuvieron marcados por la transgresión. La Esmeralda se convirtió en uno de los rostros populares de la televisión y también del cine, puesto que cuenta con una película autobiográfica. Por tener, tiene hasta imitadoras hispanoamericanas.

Años después, ya a principios de 1980 hace su aparición el sevillano artista José Pérez Ocaña. Pintor de brocha gorda en su localidad de Cantillana, un buen día decidió marcharse a Barcelona, donde se convirtió en fundamental de su historia cultural underground, alternando la cal con sus escandalosas reinterpretaciones marianas. Allí era frecuente verlo travestido llamando siempre la atención. José Pérez Ocaña muere precisamente travestido, cuando en 1983 en su pueblo natal un niño incendió con una bengala el traje de Dama de las Camelias que llevaba.

Durante los 80 el optimismo y las ganas de cambiar y hacer cosas nuevas fue un importante empuje para las travestís. En estos años llega a España la travestí más famosa: Divine. Glenn Milsteald fue un joven nacido en Baltimore. Desde siempre sintió que era diferente, por lo que siempre fue víctima de rechazos e insultos. Siendo adolescente comienza a travestirse y a prepararse como actor. Poco a poco se fue haciendo de una fama hasta que su rostro ocupó la portada de la revista Life. Su pelo a lo Taylor, su maquillaje exageradísimo y su forma de comportarse y vestir fijó la base estética travestí que incluso hoy reina. A España llegó en torno a 1984, aquí muchos jóvenes se arrodillaron ante ella, posó desnuda para Pablo Pérez Minguez y actuó en varias ocasiones, una de ellas en el programa “La Edad de Oro”, conducido por Paloma Chamorro.

La Movida que se produjo en el Madrid de principios de los 80 también estuvo muy marcada por el factor travestí. Ejemplo de ello fue el dúo musical constituido por Pedro Almodóvar y Fabio Mcnamara. Ataviados con pelucas, batas de guatiné, collares de plástico y mucho maquillaje la pareja cantaba uno a uno sus hits en unos espectáculos inéditos en España hasta entonces. Pedro iniciaría esa estética bizarra al combinar sus atuendos femeninos con sus rasgos viriles como su bigote o vellos en el pecho. Fabio, la Fanny, estaba continuamente travestido, lo que le ocasionó graves problemas con miembros de Fueza Nueva cada vez que iba a visitar a sus amigos Costus.

Además en estos años se implantaría en nuestro país el paso más allá del travestismo, hablamos de las primeras transexuales nacionales. Aquellas quienes ya no se conforman con vestirse de mujer y adoptar sus roles, sino que deciden someterse a una operación de cirugía. Como ellas mismas confiesan, son mujeres nacidas con cuerpo equivocado.

Con los 90 el fenómeno travestí se convierte en cotidiano. No es nada extraño encender la televisión y ver alguna travestí. Ya en los años 80 era más que frecuente ver a un Javier Gurruchaga continuamente travestido. Muchas de estas travestís terminaron operándose, convirtiéndose en transexuales. Una de las más famosas fue Cristina, conocida como “La Veneno”. Su rostro fue uno de los más populares en la España de mediados de los 90. La deslenguada Veneno aparecía noche tras noche en el programa “Esta noche cruzamos el Missisipi”, siempre impresionante, vestida con provocativos diseños de Pepe Rubio. Otras fueron famosas a niveles de locales nocturnos, como Carmen de Mairena o Tina Cristal y Vicky Aranda en Sevilla.

A nivel internacional el travestismo incluso era una forma estética a seguir, el caso de la imponente Ru-Paul es muy llamativo. Su bello rostro fue la imagen de la prestigiosa casa de cosméticos MAC. Otras adoptaron papeles más reivindicativos y luchadores en países que no atravesaban una buena situación, como por ejemplo Alejandra Bogue o Ruva Duval en México. El travestismo ya tenía una estética particular y muy propia, que años atrás ya habían adoptado cantantes, como el ambiguo David Bowie o Boy George, anunciando lo que otros hacen hoy, como Marilyn Manson

Los noventa terminaban con un triunfo claro por parte de las travestís. Muy representativo es el caso de Dana Internacional. La joven israelí comenzó como travestí hasta convertirse en transexual. Por este motivo era perseguida por sectores fundamentalistas de su país, llegando incluso a estar amenazada y prohibida. Su victoria llegó con su triunfo en el festival de Eurovisión con la canción “Diva”.

También esta última década ofreció otra forma de travestirse. Hablo de las Drags-Queen. Se trata de una indumentaria basada en atuendos femeninos, pero donde todo se exagera al máximo. Estarán más ligadas al mundo de la noche, en especial a las discotecas. Este fenómeno quizá deba estar más relacionado con el Transformismo.

En estos años actuales aparecen travestís increíbles, cuyas actitudes rompen por completo los límites de cualquier definición posible. Travestís ligadas al mundo del arte, travestís muy transgresoras y originales. Algunas como La Prohibida llenas de modernidad, otras como Nacha La Macha que saben combinar a la perfección la tradición con la modernidad, llegando a tener una forma de ser propia y muy particular. Es una de mis preferidas. Muchas incluso juegan a combinar rasgos masculinos con los femeninos, dando como resultado una apariencia muy bizarra, por ejemplo podría citar a las divertidas Fellini o Feldene-Flesh.

Cantantes y otras personalidades de la cultura adoptaran la estética y las actitudes de estas travestís, ya antes comenté el caso de Marlyn Manson. En España podríamos hablar de Arrakis (siempre sorprendente e interesante), Nancys Rubias, etc.

El auge y el éxito es tan enorme que desde el año 2003 hasta el 2006 se han venido celebrando en Madrid los festivales “En Plan Travestí”, donde tienen cabida todo tipo de artistas.

Sirvan estas líneas para expresar la admiración y veneración absoluta que siento por el colectivo travestí y transformista. El título “Con los tacones de mamá…” va dedicado a ese tierno momento en que los niños, escondidos en el cuarto de baño o la habitación comienzan a dar rienda suelta a sus deseos cuando empiezan a ponerse las ropas de su madre y el maquillaje de su hermana mayor… La travestí nace…. Sé que por ignorancia y brevedad no cito todas las que deberían estar. Eso os lo dejo a vosotros....

Entradas relacionadas en este blog:

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http://falsas-costumbres.blogspot.com/2006/10/la-esmeralda-de-sevilla.html

La Pantojita.

2006-11-16T00:17:00.000+01:00

Florence Foster Jenkins fue una dama de la alta sociedad americana. Nació en 1868 y desde muy pequeña sintió absoluta veneración por el mundo de la ópera, la pequeña Florence soñaba con ser soprano. Un sueño que continuo siendo ya toda una joven, pero con un pequeño problema: Florence ni tenia voz, ni aptitudes musicales, ni muchísimo menos cualidades para ser soprano.

En 1902 se divorcia de su rico esposo, lo cual le dejó una gran fortuna que Florence destinó para formarse como una soprano. Comienza a dar clases, pero su voz y oido seguian siendo los mismos. Florence gritaba y desafinaba, no daba ninguna nota correcta. Lejos de sentirse mal, ella comienza a dar pequeños conciertos privados que tenían que soportar sus más allegados y amigos con las mejores de sus caras. Ya en 1912 sus actuaciones se van multiplicando, la gente gustaba ver su peculiar modo de cantar o destrozar los clásicos de Mozart. Así su fama va creciendo hasta que decide en 1944 dar un concierto en el Carnegie Hall de New York. La noticia corrió como la polvora y en apenas unos días las entradas alcanzaron un alto precio y se vendieron todas, aportandole una suma de unos 6000$, algo inédito en la época.

Florence se preparó para la ocasión como nunca y así salió al escenario el día 24 de octubre de 1944 ante un recinto lleno de gente dispuesta a verla. Ataviada con un largo vestido con alas de angeles comenzo a gritar, desafinar, a descolocar notas, a deleitar con sus gallos y su voz los clásicos mundiales. El publico le aplaudia y la aclamaba como una gran diva, como a Maria Callas en sus mejores momentos.

Florence Foster consiguió ser titular en prensa, aclamada por la crítica y por los ambientes selectos, aplaudida y divinaza, así murió un mes después de su gran actuación que la llevaría a formar parte de la historia.

Las distintas corrientes artísticas, como el Arte en Acción ha valorado y se ha visto muy influenciadas por sus actuaciones y forma de ser.

Hoy en Sevilla contamos con un caso similar: La Pantojita. Se trata de una mujer menuda, de melena blanquecina (rubia cuando el tinte le da..) que con su guitarra canta las canciones más famosas del momento o algunos clásicos populares del folclore sevillano. La Pantojita ni canta, ni nada. Ella grita, desafina incluso chirría este tipo de canciones mientras golpea su desajustada guitarra, a la que a veces le faltan cuerdas. Así podemos verla en la Alfalfa entre los veladores.

Al igual que Florence Foster Jenkins, para la Pantojita no fue ningun inconveniente no tener aptitudes, ni conocimientos musicales. Su empeño le basta para ser una de las artistas más populares de Sevilla y encima lograr vivir de ello, de su arte. Mujeres que pese a las adversidades lograron conseguir un sueño, que no es poco.

Las actuaciones de La Pantojita nada tiene que envidiar a un concierto punk, esta llena de transgresion. Cada vez que abre la boca echa por tierra cualquier ley de armonia musical, preceptos académicos y prejuicios culturales. Hace lo que le da la gana buscando su placer. ¿Hay mayor transgresión que eso?...

Os dejo un par de actuaciones suyas. La primera no tiene desperdicio. Contratada por el Ayuntamiento de Sevilla, La Pantojita interpreta la canción "El Corral" del Koala. A petición popular. Fijense en el atuendo y lo bien que le queda el traje. La segunda es una aparición en el programa "Callejeros" del canal Cuatro.

No sé cómo hacer para que los videos se pongan directamente desde aqui, asi que os dejo los enlaces. Son breves. Merece la pena, eso si, liberense de prejuicios!.

http://www.youtube.com/watch?v=Iqdy36MYO4M

http://www.youtube.com/watch?v=730PEtuoR-0

Mujeres Sevillanas: Desde Santas Justa y Rufina hasta la Esmeralda

2006-11-06T00:27:00.001+01:00

A lo largo de la Historia de Sevilla han ido apareciendo numerosos nombres de mujeres, que en el ámbito donde les tocó vivir ejercieron una enorme influencia o una importante labor, en algunos casos transgrediendo normas o simplemente eligiendo libremente el destino de su vida.

Inicio hoy una lista de mujeres muy importantes dentro de la Historia de Sevilla, se trata de una selección muy personal. Sé que obvio muchos nombres, quizás por ignorancia y porque tampoco me interesa reseñar todos. Sólo comentaré aquellas damas, cuyas biografía me resultan muy atractivas. Algunas decidieron sobre sus vidas, otras incluso transgredieron normas de un estricto sistema machista y otras se dedicaron a vivir como querían, lucharon por su libertad y por dar rienda suelta a sus verdaderos sentimientos. Sea por lo que sea, las reúno a todas aquí simplemente por una máxima: las admiro.

El texto se divide en varios apartados temáticos. No es mi intención realizar un contenido con una rigurosidad histórica, simplemente pasar un rato agradable recordando estas biografías.

MUJERES PODEROSAS.

La Historia no ha sido muy proclive para que las mujeres tuviesen importante cargos políticos hasta la actualidad. No obstante, si encontramos damas que desde la sombra ejercieron una notable influencia en el poder. También hay muchas mujeres cuyas biografías se relacionan con este ámbito y por distintas causas alcanzaron la fama.

Ya en el siglo XI, Itimad ar-Rumaikiyya se casó con Al-Mutammid emir musulmán que tenía el poder de Isbiliya. La pasión de éste por las letras y por sus jóvenes criados, le mantenían algo despistado de sus tareas como gobernador. Se dice que era su esposa la que ejercía como tal. Ella fue la madre de al-Rashid, el heredero al trono. Igualmente compartió con su esposo su afición por la poesía.

En el XIV, Dña. María de Padilla fue un ejemplo de la consecución de sus derechos y su reconocimiento. Desterrada en un segundo plano por ser la amante del monarca Pedro I, su “otra”, ejerció en numerosas ocasiones como primera dama, puesto que Pedro abandonó a su esposa Dña. Blanca de Borbón dos días después de su boda. Ella disponía de una residencia real, incluso le dio hijos al rey. Su fuerte carácter y el papel tan influyente que jugó han sido considerados como una lucha por su reconocimiento público como el amor oficial de Pedro I. Una vez muerta se reconoció su derecho legítimo y su hijo Alfonso fue nombrado como heredero del rey.

El reinado de Pedro “El cruel” o “El justiciero” estuvo marcado por las continuas revueltas y conspiraciones que se levantaron en contra del polémico monarca. Cuando Pedro I alcanzó el trono con apenas 6 años de edad. Su madre, Dña. María de Portugal, manda a asesinar a la favorita de su esposo, Dña. Leonor de Guzmán esposa de D. Alfonso Fernández Coronel. Se iniciará aquí una enemistad entre estas familias y la corona que provocará sublevaciones en distintas ocasiones y que terminaría a la usanza medieval: la muerte.

Uno de esos sublevados y conspiradores fue D. Alonso de Guzmán, siempre animado por su esposa Dña. Urraca Osorio. Por tal motivo, el rey la condenó a ser quemada viva en una pira que en la Laguna de Cañavería (Hoy Alameda de Hércules). Una vez allí, antes de ser arrojada el viento levantó sus vestimentas dejando a la vista de todo el público sus intimidades. Su asistenta personal Dña. Leonor Dávalos, en un acto de fidelidad absoluta, se lanza a la pira con el fin de ocultar las “vergüenzas” de su ama. Por tal acto, cayó igualmente en la pira muriendo en el acto. Sus cenizas descansan con las de Dña. Urraca en el Monasterio de San Isidoro del Campo en Santiponce (Sevilla).

El ya citado Alfonso Fernández Coronel tuvo dos hijas: Aldonza y María, casadas ambas con nobles opuestos totalmente a Pedro I. D. Alvar Pérez de Guzmán y D. Juan Alfonso de la Cerda, esposos de Dña. Aldonza y María respectivamente, participaron contra su suegro en una revuelta militar contra el rey, que terminó con la muerte de su suegro y con la victoria del rey cruel. Don Alvar atemorizado huye dejando abandonada a Dña. Aldonza en el Convento de Sta. Clara. Allí fue apresada por D. Pedro para que fuese su amante. Su cuñado se reveló para defender el honor de Aldonza y fue capturado por el Rey. La bella Maria Coronel decide entonces subir a Tarragona y pedirle al rey que liberase y perdonase a su esposo, pero éste prendado por su belleza la engaña y le promete una clemencia que resultó ser falsa, puesto que durante el trayecto de María hacia Sevilla, se ordenó la decapitación de D. Juan de la Cerda.

Pedro I gustaba mucho de pasar largas temporadas en Sevilla, de hecho decide levantar su gran Alcázar mudéjar, donde residió. Una vez en al ciudad, comienza a buscar a María Coronel con el fin de poseerla. Ésta decide esconderse en el Convento de Sta. Clara, donde fue apresada por el monarca. En este momento y en medio de un arrebato Dña. María Coronel puede escapar y huye a la cocina, donde desesperadamente derrama aceite hirviendo sobre su rostro para provocar una desfiguración que dejase de gustar al rey.

Dña. María Coronel terminó sus días en el Convento de Sta. Inés, fundado por ella. Allí recibió sepultura dentro de la iglesia, hasta que en el siglo XVI se encuentra por unas reformas su cuerpo incorrupto. Desde entonces se inicia la tradición sevillana de exponer su cuerpo incorrupto cada 2 de diciembre.

Doña Guiomar fue una importante mujer sevillana del siglo XVI. Su biografía nos muestra un personaje lleno de coraje, que supo encauzar una vida muy activa sin necesidad de un hombre. Parece ser que era descendiente de reyes, San Fernando y la esposa de Enrique XI, Dña. Juana Manuel. Doña Guiomar Manuel dedicó su vida a ser caritativa con los más desfavorecidos, gastó su fortuna en salvar a los necesitados, estableciendo además una simbólica dotación para que se vistiesen unos 12 pobres el día de los difuntos. Además de ello, destinó gran parte de sus riquezas a la construcción de templos, conventos y obras civiles como el empedrado de calles o la restauración de la cárcel, a favor de los presos. Murió dejando una importante herencia para la Catedral de Sevilla, donde recibió sepultura junto a sus padres.

Ya en la historia más recientey haciendo un gran salto, merecen una mención especial aquellas mujeres anónimas que ejercieron el papel de arengadoras en el bando republicano durante la Guerra Civil Española. Incluso algunas tomaron armas. Muchas fueron posteriormente castigadas, humilladas o incluso pagaron con sus vidas la defensa de sus ideales políticos.

MUJERES RELIGIOSAS.

Desde la Antigüedad la figura femenina ha estado bien presente en la mitología o religión que se practicaba en Sevilla. Aunque su origen no es sevillano, el culto hacia Astarté si estuvo muy extendido por esta zona. Se trata de una trasposición de la Isthar acadia o la Inanna sumeria. Su biografía, llena de transgresión femenina, la llevó a ser considerada como diosa madre de la vida, de la fertilidad, del amor y los placeres carnales. Además su fuerte presencia, le llevó a ser también una deidad guerrera, representante de la muerte.

La negación de la citada Astarté propició el nacimiento del uno de los mitos cristianos con mayor devoción, me refiero al caso de las Santas Justa Y Rufina. Santas muy vinculadas a la Historia de Sevilla. La tradición las sitúa en el arrabal sevillano de Triana, donde ejercían su trabajo como alfareras allá por el siglo III. Por su fuerte convicción cristiana se negaron a vender su cerámica para usos paganos, lo que les costó no sólo la destrucción de toda su producción, sino su muerte. Su mito representa la salvaguardia de las ideas, de una ética y moral hasta el final en circunstancias poco propensas. Estamos ante la típica historia de una mártir.

Justa Méndez nació en Sevilla a finales del siglo XVI. Su biografía la delata como una de las damas más transgresoras nacidas en Sevilla. Siendo muy jovencita se trasladó con su familia a México, donde comenzó a indagar e investigar más sobre su religión: el Judaísmo. Ello le valió vérselas con la Inquisición,que le amenazó con quitarle su vida si no sustituía los ritos judíos por los cristianos,a lo que accedió para salvarse. No obstante, años más tarde “La hermosa Justa”, como era conocida, siguió sumergiéndose en la tradición judaica. Uno de los capítulos más osados de su vida, fue su casamiento. Ella pidió a la Inquisición un permiso para portar joyas y usar la seda en su traje nupcial, la respuesta fue afirmativa y quedó así eximida de las obligaciones que tenía como reconciliada con la Iglesia. A partir de este punto, dedicó toda su vida a la caridad y a ayudar enfermos judíos.

En 1642 el Santo Oficio emprendió una persecución y posterior castigo de los judíos, lo que le valió condena, Su espíritu luchador salió a la luz de nuevo dentro de la celdas, donde sobornó a guardias para que le permitiese mandar avisos a amigos y parientes judíos. Pero es que Justa fue mujer de fuertes convicciones hasta el final de sus días. Afectada por una terrible enfermedad y sin movilidad apenas, en 1644 Justa pasaba sus últimas horas en el lecho de muerte cuando un cristiano pone una cruz entre sus manos. En un último esfuerzo, Justa se valió y arrojó la cruz contra la pared. Pero incluso muerta su actitud y su fuerte carisma seguía molestando, el gesto que tuvo con la cruz había causado tal malestar que cinco años después su cadáver fue desenterrado para ser incinerado junto a miles de cuerpos de judíos asesinados en un Auto de Fé.

Un ejemplo más reciente de entrega y lucha por unos ideales, además de constituir un cambio hacia la realización de los preceptos cristianos, fue Santa Ángela de la Cruz. Su fuerte espiritualidad y su moral, siempre defendiendo y cuidando a los enfermos, pobres y marginados de la ciudad, le llevó a entregarles sus fuerzas, su tiempo y sus creencias, en definitiva, su vida. La “Madre Angelita”, como era conocida, vivió y murió reivindicando las injusticias sociales que padecía una ciudad tan cristiana y católica como Sevilla. Nace en 1846 en el seno de una humilde familia, quedó huérfana muy pronto y su madre muy vinculada a las Hermanas de la Cruz, le inculcó su amor por la Orden, en la que a los pocos años ingresó. Allí ejerció su labor humanitaria en una Sevilla azotada por el cólera, su trabajo se notó en los corrales de vecinos y otros círculos desfavorecidos. Su actitud le llevó a ser reconocida como Beata y posteriormente como Santa por el Vaticano.

MUJERES ARTISTAS.

Andalucía es considerada como la cuna de grandes artistas. A éste tópico no estará ajena Sevilla, que ha dado a la Historia numerosos nombres de gran importancia en las más diversas manifestaciones artísticas.

* Bellas Artes: La figura de la mujer apenas ha estado presente a lo largo de la Historia del Arte hasta épocas recientes, cuya presencia ha igualado ya al hombre. En Sevilla se dan estas circunstancias igualmente.

Un caso que me resulta llamativo lo constituye la figura de Luisa Roldán, bautizada por la historiografía como “La Roldana”. Luisa aprendió el oficio de la escultura en el taller de su padre y maestro Pedro Roldán, escultor con una gran actividad en la Sevilla del XVII. Allí conoció a su marido, Luis Antonio de los Arcos, un mediocre artista que trabajaba en el taller. Su padre el viejo Roldán jamás vio con buenos ojos esta relación y luchó contra ella, pero su hija defendió su amor y terminó casándose con él. Su gran calidad artística propició numerosos e importantes encargos que Luisa aceptó sin la tutela de su padre. Pero ella, consciente de su enorme superioridad artística, no se encontraba cómoda en Sevilla, parecía como si se le quedase pequeña. Así que sin previo aviso decidió marcharse a Cádiz junto a su marido, para comenzar su nueva vida. La escapada dejó numerosos proyectos y trabajos sin terminar, siendo finalizados por su padre. Pero Luisa no se quedó sólo en eso, con el tiempo logró trabajar en Madrid para la corte española.

* La Música: Mayor es el número de mujeres pertenecientes al terreno del cante. Allí muchas trabajaron y se esforzaron por conseguir un puesto y ser respetadas en un mundo de hombres.

Pastora Pavón, Niña de los Peines, es reflejo de aquella máxima. Comenzó a cantar en pequeños ambientes, pero su fuerza y su personal voz la hicieron ser muy popular en poco tiempo. Pastora luchó y trabajó por su arte, consiguiendo un puesto muy alto y contando con el respeto, admiración e igualdad en un ambiente de hombres tan conservador como el flamenco. Su reconocimiento final llegó cuando el Ministerio de Cultura declaró B.I.C sus registros sonoros.

Son varias las cantaoras y cantantes que se movieron y se escaparon de la sombra de sus hombres. La famosa Antoñita Colomé, por ejemplo, se casó en 1936 por segunda vez en Paris, ya que estaba casada en España con otro señor. Incluso estuvo en la cárcel acusada de espionaje. Para ella no fue ningún problema separarse de su marido y no esconderlo. Se autodefinió siempre como una artista contracorriente, “preparada para enfrentarse a los líos propios de la farándula”.

La copla ha sido abanderada desde sus inicios por mujeres de fuerte carisma. La sevillana Estrellita Castro es ejemplo de ello. Tuvo un éxito inédito en una artista española durante aquellos difíciles años. Grabó muchísimas películas y divulgó ciento de canciones populares, convirtiéndose en la primera especialista en el llamado cuplé andaluz. Estrella viajó a Nueva York y también a Alemania, donde actuó ante Hitler. El estallido de la Guerra Civil la obligó a desplazarse a Cuba, regresando años después. Su simpática y dicharachera forma de ser siempre despertó la admiración del público. El maestro Quiroga dijo que ella era una de sus tres marías, junto a Maria Magdalena y “Ay Mari Cruz”

Juanita Reina, uno de los máximos exponentes de la copla, hizo frente a una conservadora, patriarcal y estricta norma familiar. Su padre le prohibió con enorme fuerza que ejerciese como artista, aún así la sevillana consiguió ser una de las más afamadas intérpretes de copla. Pero pronto tendría que enfrentarse de nuevo a su padre, se enamoró de un hombre que nunca fue buen visto por su familia, con el que consiguió casarse.

El baile flamenco está considerado como un auténtico rito de embrujamiento, donde las mujeres se mueven, sacan a la luz su fuerza, su duende y exhiben su cuerpo al ritmo del cante, del toque y de las palmas. Pastora Imperio fue pionera en moverse muy sensualmente, bailaba flamenco y mostraba a la vez parte de su anatomía, en una clara ceremonia de encantamiento de hombres, acentuada por sus fuertes e impactantes movimientos sobre el tablao, lo que le valió criticas a la vez que admiraciones.

Este destape vinculado al folclore tuvo especial importancia con los escotes de Rocío Jurado en los años 70. Siguiendo a ambas figuras, la sevillana Maria Jiménez no tuvo inconvenientes en bailar mostrando buena parte de su cuerpo, moviéndose más sexual que sensualmente, mientras cantaba unas canciones con las que creaba un ambiente en el escenario con gran carga erótica.

El Arte en Acción jugó mucho con el componente musical, creando composiciones discordantes, llamativas, transgrediendo las normas de composición y armonía. Famosa es la historia de Florence Foster Jenkins, que obsesionada por ser intérprete de ópera, pese a sus nulas capacidades vocales, logró crear unos espectáculos llenos de notas desafinadas que contaron con una gran aceptación y éxito de público. Su transposición sevillana es “La Pantojita”. Una mujer de indumentaria inclasificable, que junto a su “aporreada” guitarra grita las más famosas sevillanas y canciones andaluzas, todo lleno de “gallos”, desafinando, incluso chirriando, Aún así, La Pantojita ha conseguido ser uno de los personajes más populares y conocidos de Sevilla, llegando a vivir incluso de ésta, su profesión: cantante popular.

* Literatura: Aunque si contamos con algunos nombres de mujeres importantes, pocas tuvieron una vida luchadora. Gabriela Ortega Gómez, sobrina de José “El Gallo”, fue una de las artistas más famosas de los años 20 y 30. De su desgarrada y poderosa voz salieron, tomaron forma y cobraron vida los versos de los más importantes poetas, como Alberti y Lorca. La llegada de la dictadura franquista trajo consigo la censura, y la obra de estos poetas fueron absolutamente prohibidas. Esto no le importó mucho a Gabriela, lo que le costó su exilio a tierras hispanoamericanas.

MUJERES EN LA SOCIEDAD.

Se conocen algunos nombres de mujeres pertenecientes a importantes familias que llevaron una vida totalmente opuesta a la considerada la propia de su condición.

Especialmente estaban muy mal consideradas aquellas que vendían su cuerpo para fines sexuales, las prostitutas. Se tienen noticia de su existencia en Sevilla desde el siglo XVI. Pese a estar condenadas por la sociedad y la religión, siguieron haciendo su vida y comportándose, en algunos casos, como ellas querían. Hablo del pecado capital que constituía la prostitución. Los primeros datos sobre esta práctica las localiza en la zona colindante a la Plaza del Molviedro. Fueron perseguidas y castigadas continuamente, pero ellas seguían ejerciendo pese a los dedos que las señalaban, ante las voces que las acusaban y las juzgaban. Por encima de prejuicios sociales y cristianos ellas siguieron allí.

Pero la historia de transgresión más fuerte en Sevilla es aquella que empieza por contradecir las llamadas “reglas naturales”, aquellas personas que por sus sentimientos llegan a cuestionar su propio cuerpo y comienzan a transformarse, para empezar a vivir como verdaderamente quieren y sienten. Hablo de transformistas y travestís, una realidad fuertemente vinculada a la idiosincrasia underground de Sevilla. Valga como representante de estas primeras mujeres la figura de La Esmeralda de Sevilla. Su biografía podría haber sido incluida en cualquier otro capitulo, como el dedicado al Arte, pero su lucha afecta muchísimo al terreno social, por lo que he considerado más oportuno incluirla aquí.

La Esmeralda aparece en torno a los años 60, teniendo una fuerte presencia en los 70 y 80. Pronto se dio cuenta de su forma de ser y de sentir. A pesar de tener cuerpo y nombre de hombre, se identificó como La Esmeralda de Sevilla. Pese a estar en años de dictadura y muy complicados socialmente, no tuvo problemas en maquillarse, vestirse de mujer y enfrentarse a la calle. Su labor artística (cantando coplas en unos shows llenos de transgresión y de detalles escandalosos para la época) constituye una buena lanzadera para reivindicar el papel de gays, lesbianas, transformistas y transexuales en la sociedad actual. Todo un ejemplo de lucha.

MUJERES FICTICIAS.

Numerosos artistas y creadores se han inspirado en mitos y paisajes sevillanos para crear personajes que han poseído notable fama e influencia. Generalmente suelen ser heroínas de fuertes convencimientos e ideales, que luchan contra lo establecido para conseguir finalmente sus propósitos.

Uno de los mitos más frecuentes que ya venían apareciendo en el siglo XIX y que tendrán notable auge en los años 40 es la llamada “femme fatale”. Una mujer que haciendo gala de sus encantos y sus armas femeninas, lleva una vida un tanto desordenada y escandalosa, manipulando a los hombres para lograr sus objetivos.

La Carmen de Merimée es, sin duda, una de las primeras mujeres fatales de Sevilla. La joven cigarrera, afamada por la ópera posterior de Bizet, hacía uso del embrujo que emanaba de su feminidad, para llevar una vida amorosa agitada en la que trataba a los hombres como verdaderas marionetas, con el fin de salir siempre airosa y alcanzar todo aquello que se planteaba.

La enorme trascendencia que tuvo Carmen se notó en las protagonistas de las coplas de los sevillanos Quintero, León y Quiroga. Mujeres bellas, prostitutas algunas, que embelesaban a los hombres y decidían su destino dejándose arrastrar por la pasión, ejemplos son las sevillanas Triniá, Mari Cruz, etc…

Creada por Zorrilla en su obra “Don Juan Tenorio”, la historia de Doña Inés tiene un punto de pasión y venganza. Era una novicia del Convento de Santa Inés, allí se dejó seducir por Don Juan Tenorio, de quien se enamoró perdidamente. La sumisión de esta mujer fue tal que llegó a morir de desamor. El punto de transgresión está cuando finalmente se tornan las cosas y la figura del hombre juega un papel totalmente sumiso y dependiente de la mujer. Al final el fantasma de Dña. Inés se “venga” de D. Juan mostrándole que de ella depende su salvación, a la que al final accede.

********** Foto de la portada: Cuerpo Incorrupto de Dña. María Coronel. Convento de Sta. Inés de Sevilla.

LA ESMERALDA DE SEVILLA

2006-10-09T00:36:00.000+02:00

Sevilla en torno a los años 60 experimenta una cierta renovación cultural, podríamos hablar de una pequeña “movida” que se da en los ambientes más underground y alternativos de la ciudad. Se conocen muchos personajes, algunos de elevado rango, que vivieron y tuvieron unas costumbres, que hoy incluso resultan escandalosas. Estas formas de vivir la cultura como nunca se había hecho comienza en esta década y terminará en los 80. Podríamos citar nombres como los del polémico Gonzalo García Pelayo o Nazario ya en los 80.

Este movimiento renovador y provocador ha penas ha sido considerado y tenido en cuenta por la historia. Sus manifestaciones artísticas se escapan de cualquier convencionalismo y prejuicios. En muchos de estos casos estamos ante prácticas prohibidas y ante artistas que no poseen formación de ningún tipo, salvo aquella que da la propia calle.

Fundamental para la historia de la cultura del siglo XX en Sevilla y en todo este contexto es La Esmeralda de Sevilla. Estamos ante una artista rompedora, pionera e innovadora. Y es que La Esmeralda es de esas artistas que empezaron por transgredirse a ellas mismas… La Esmeralda nació hombre, pero se sentía mujer y como tal vivió y ejerció en una época donde las cosas no son tan fáciles como hoy. Estamos hablando de una Sevilla que vivía los años finales de una fuerte dictadura conservadora y estrenaba ya en la segunda mitad de los 70 una democracia. Una sociedad poco avanzada, una sociedad reticente a los cambios profundos y unas gentes, cuya ética y moral seguía al 100% los dictámenes de la Iglesia católica. Aún así, La Esmeralda no tuvo ningún tipo de inconveniente en salir a la calle con su peculiar y característico aspecto, su pelo rizadísimo a lo afro en perpetua permanente, sus fuertes rasgos fáciles definidos con un fuerte maquillaje, sus imparables gestos y su lengua despiadada y ligera. La Esmeralda rebozaba gracia por donde pasaba. Era muy frecuente verla por el barrio de la Macarena y la Alameda, donde consiguió ser respetada y tratada como una más.

A finales de estos años inicia una serie de espectáculos que la harán especialmente popular a nivel nacional durante los 70 y sobretodo los 80. La Esmeralda quiso ser mujer y artista y ambas cosas consiguió. Cantaba copla y sevillanas de una forma muy personal, muy provocativa, siempre visceral, pasional, atrevida y deslenguadísima. Entre copla y sevillana, un chiste, sus preferidos los de los “mariquitas”, como ella misma reconoce. Sus espectáculos estaban lleno de renovación e innovación, cuando cantaba transgredía todas las normas, y es que sus interpretaciones nada tenía que envidiar a los conciertos de cualquier grupo punk de la época.

Su legado artístico fue recogido en algunos casetes que causaron furor en todas las gasolineras españolas. Primero grabó una cinta con sus sevillanas “La Esmeralda y sus flamencas”, donde se recogía su gran hit: “Los cuatro novios”. También editó dos volúmenes de casetes de chistes, son los famosos chistes de los mariquitas, que se caracterizan por ser completamente picantes, ordinarios y directos.

La Esmeralda fue pionera, inició el camino para muchas transformistas que han seguido el camino de la copla, incluso hoy. Su personalidad y arte emana kitsch en todos los sentidos de la palabra. La Esmeralda reivindicó derechos y libertades en épocas muy difíciles, lo hizo de la mejor forma: llevandolo a la práctica, sin esconderse y sin reprimirse. La Esmeralda vivió y vive hoy como le da la gana… Personalmente creo que estamos ante un personaje de vital importancia para la cultura y el arte de Sevilla, lógicamente su biografía nada tiene que ver con la de cualquier típico artista o intelectual, por eso hay que escapar de convencionalismos y prejuicios para darse cuenta de la importancia y del verdadero valor de este gran personaje, que revolucionó, renovó y transgredió dentro de su propio ambiente underground.

Si tienen la posibilidad no se pierdan una breve película biográfica, donde una nostálgica Esmeralda recuerda su vida. La cinta fue rodada por Joaquin Arbide en 1981, dura unos 35 minutos. “La Esmeralda, historia de una vida.

Fotos:

-Foto.1. La Esmeralda en una de sus actuaciones. Dicen de ella que es la travesti más famosa de todo el mundo. Incluso tiene imitadoras en Hispano-América.

-Foto.2. Portada de "Mis 69 mejores chistes", y es que ella no podía haber grabado ni 68, ni 70, sino 69…

-Foto.3. Portada del volumen dos de su serie "Chistes de Mariquitas". Los títulos no tienen desperdicio: “Mariquita cazando palomas”, “Mariquita compra ropero”, “Manteca colorá”, “Mariquita en el 600”…

-Foto.4. Portada de su famoso "La Esmeralda de Sevilla y sus flamencas". Incluye su hit "los Cuatro novios".

2006-07-20T17:44:00.000+02:00

DÍAS DE PLAYA CON MIS PADRES.

Martes. Hace un par de días mi madre me propuso que pasara unos días en su piso de la playa, un pisito la mar de apañao que compró hace unos años. La verdad es que está muy bien, amplio, accesible, tranquilo, tiene una vista más o menos agradable (no hay nada construido en frente, incluso se ve un trozo de playa…), también está muy cerquita del mar, vamos que todo pinta muy bien, pero yo me desespero nada más llegar. Intento serenarme, pero saber que estaré aquí unos días es motivo suficiente para estar nervioso.

Llego sobre las 7 de la tarde, estupendo todo el camino, hemos tardado de casa a la playa unos 35 minutos, un lujazo. Lo primero que hago al llegar es ponerle las ruedas a la bicicleta y probarla. Sé que puede resultar aburrido y caluroso quedarme en el piso, así que decido ponerme mi bañador (lo estreno. Bañador tipo bóxer H&M Infantil, color negro, con un pequeño dibujo en gris y dos detallitos rojos, con bolsillo de cremallera en el culo. 7.90€).

Bajo a la playa, dejo la bici atada en una farola y comienzo a andar, a buscar un sitio chulo… voy andando. Llevo chancletas de PULL&BEER blancas, pitillos vaqueros oscuros de H&M doblados hasta la rodilla, camisa de manga corta muy estrechita azul H&M, con dos chapas POP, Gafas de sol, cinturón metálico y bolso de material reciclado con mi toalla EMIDIO TUCCI, móvil y cuatro cosas mas…. Sigo mi paseo hasta que… - ehhhhhhh!!!!!!!!!!!!!!!!!, holaaaaaaaaaaaaaa!!!!!!!!!!! Qué haces aquíiii???!!!!!.... Diosssss! No puede ser, odio encontrarme con gente conocida en la playa y encima me preguntan qué hago…. Total que después de una charla pude escaparme… Al fin encuentro un sitio, no hay nadie, sólo yo, se ven toallas y gente pero muy lejos, que bien!, no me lo puedo creer…. Me baño, nado y buceo hasta cansarme, para luego terminar sentado sobre la toalla mientras observo como pasa la gente. Nadie me llama la atención … pfff.

Las 21.00h. regreso y todo estupendo, no sin antes haberme encontrado a más gente conocida… ¡No quiero ver a nadie!. Mis padres han preparado una cena, vienen unos amigos suyos, todo sale bien y la visita resulta muy rapidita, que bien. Paseo, compro helado y pienso que haré mañana… Regresando por el paseo marítimo observo un pequeño punto de luz intermitente, es el faro de Chipiona, me pongo triste… cuánto te echo de menos Rocío…

Veo la tele hasta morirme de sueño, me ducho, juego con mi cámara de fotos a fotografiarme a mi mismo, una de mis aficiones favoritas… aunque cada día me va dando mas asco de mi cuerpo, mi cara y mi imagen personal. Todo bien, intento pillar una conexión wifi… una mierda… Escribo estas líneas antes de irme a dormir con mi mp3. Esta noche hace calor...

Miércoles. Me despierto muy temprano, algo realmente extraño. Quiero ir a tomar el primer sol de la mañana, que realmente deja un color en la piel estupendo, pero mierda!!!, el día está fatal, nublado y con un viento imposible.. me desespero... me quedo dormido viendo la tele. Por la tarde la cosa mejora bastante, así que decido sobre las 4 coger la bici, preparar mis cosas y bajar a la playa. Me tumbo al sol y me pongo el tratamiento solar (DIOR Bronze, regalo de Carlos), tomo el sol, me baño... monotonía. Estoy realmente cómodo, en un lugar super apartado, apenas sumamos 10 y todos muy distantes... genial... A las 7 me aburro y tengo ya un tono estupendo, asi que me baño, me cambio de ropa, me peino en la playa y voy en bicicleta al centro por el paseo marítimo para comprar algo de entretenimiento. No hay nada, todo es imposible, recorro las tiendas, pero en ninguna venden VOGUE. Me marcho desesperado, cuando llego visita aburrida de unos amigos de mis padres, veo la tele, meriendo y así hasta que llega la noche y bajamos a cenar pescado. Todo muy rico....

Barcelona

2006-07-16T19:43:00.000+02:00

Recuerdos de una tarde sencilla e inolvidable, pero importante. Imagen de un momento lleno de sensaciones, cuando solo lo básico te sirve para ser feliz.

Verano del 2005, estamos aburridos, en el piso, ¿qué hacemos?... pillamos nuestra prestada y siempre elegante moto (APRILIA, Compay Custom 150), nos vestimos y sin rumbo salimos por las calles de Barcelona. Subimos a Montjuic, aparcamos la moto y nos sentamos frente al Palau, observo las líneas que definen la obra vecina de Calatrava, me gusta... Tumbado sobre el asfalto de la acera... ¿No hay más sitio libre?, ¿tienes que tumbarte sobre mi?, quédate. Nos miran los pasajeros de los buses turísticos, incluso un coche de los mossos d'esquadra.

¿Subimos más alto?. Frente al castillo, sentados sobre un viejo muro disfrutamos de esta vista. Bebemos granizada de limón y comemos pipas.... ¿Se puede pedir más?...

Se nos hace de noche dentro del castillo, sentados en lo alto de una pared, junto a los cañones, observando el puerto... ¿Nos vamos?...

Sandalias de cuero de ZARA, pantalón vaquero por las rodillas (sin marca), polo rosa de H&M prestado y gafas de sol de ZARA. Tú zapatillas azules muy planas, piratas negros de ZARA BASIC y camisa blanca customizada...

No encuentro mejor forma de inaugurar este blog que recordando este maravilloso momento del año pasado....